Creo que ya no estamos en Kansas...

LA ESCENA QUE MÁS... ME ASUSTA - Fiesta de Cumpleaños en Brasil (Señales, de M. Night Shyamalan)

2012-03-01T22:53:00.001-03:00

Por Manuel Infantino, para "Creo que ya no estamos en Kansas..."

Esta sección del blog megusta mucho. Es cierto que además de las películas, lo que lo puede volcar auno a la pasión por el cine son las escenas. Esos momentos que se conectan conuno de una manera única y personal. Y uno las reconoce, SABE de ellas. Esta esla escena que más me asusta (hoy en día con mis 29 años tiene el mismo efectoque la primera vez).

Es de lapelícula Señales. Una película muybuena, tal vez porque homenajea a dos de mis películas de terror favoritas, queson Pájaros, de Hitchcock, y La noche de los muertos vivos, de GeorgeRomero. Como sabemos, la película cuenta la invasión de seres extraterrestrespero a través del punto de vista de una familia campirana. Esta es la clave dela película, ya que lo que sabemos del ataque marciano lo sabemos acuentagotas, a través de los medios de comunicación. No existe en la películaninguna escena “omnisciente”, nunca salimos del universo familiar. Todo esto nohace más que dilatar el encuentro con los extraterrestres, logrando que laexpectativa y la tensión se acumulen a medida que avanza la historia. Por lotanto la aparición del primer extraterrestre debe estar a la altura de nuestraimaginación, carcomida por el terror con ese encuentro. Y el director logra laaparición del primer ser extraterrestre de la manera más terrorífica posible.De sólo recordarla se me vuelve a poner la piel de gallina. Y sucede de estamanera:

La historia avanza, conflicto familiary de pérdida de fe de por medio. Se sospecha de un ataque marciano aunque aesta altura podría ser parte de la paranoia de los niños y el tío medio tontode la familia. De pronto, las noticias interrumpen abruptamente. La conductoraanuncia que acaba de llegar un video familiar tomado en Brasil que habríacaptado a un extraterrestre caminando por las calles. Anuncia que el video noestá falseado y sugiere no verlo si se es sumamente impresionable. Muestran elvideo, en una mala calidad de VHS (lo que no hace más que acrecentar elrealismo de la escena, cual Blair witch Project).Es el cumpleaños de un niño. Todos los invitados gritan señalando por aquí ypor allá, que vieron algo extraño. La cámara sigue las confusas e interpuestasdirecciones de los niños, entre globos y guirnaldas. Busca por la casa, filmapor las ventanas. Nada aparece. Nosotros desde las butacas buscamos con nuestramirada desesperados y con algo de miedo para ver si aparece algo. De pronto,una niña llama desde la cocina. La cámara corre hacia allí. Señala hacia fuera.Se ve un jardín y la puerta de salida a la calle, entre ligustrinas. Los niñosgritan juntos que vieron pasar algo, lo juran. Dónde. Ahí, ahí. La cámaramuestra la calle adonde apuntan los niños. Pero nada sucede. Y nada sucede.Pero los niños siguen señalando que debe estar por ahí. Entonces uno se relaja.Supone que la cámara va a seguir buscando por otro lugar. De pronto, se cruzaun extraterrestre humanoide como de 2 metros de alto en plena luz del día. Enun paso cruza de una ligustrina hacia laotra. En ese paso gira su cara y mira directo cámara y sigue su paso. Los chicos gritan aterrados. El noticiero repite la toma, en un zoom ala cara que rompe la imagen del video. La congelan justo cuando el ser mira alespectador, directo a los ojos. Los gritos continúan. Y yo todavía recuerdo lasensación de estremecimiento que ocurrió en la sala de cine.

Vean la escena:

En vivo, desde la alfombra roja de los premios Hugo - LA INVENCIÓN DE HUGO CABRET 3D, DE MARTIN SCORSESE

2012-02-14T00:48:00.000-03:00

Por Manuel Infantino, para "Creo que ya no estamos en Kansas..."

Ante todo, Hugose presenta como la película oscarizable.Pero no necesariamente en el peor sentido como sí lo vienen haciendo las últimas películas de Martin Scorsese. Merefiero a esas biopics (El aviador) opelículas de sucesos históricos (Pandillasde Nueva York), con “grandes actuaciones” y megalomanía a borbotones. Hugo es oscarizable por ser un merofestejo de sí mismos, los de Hollywood. Del cine en realidad, y de Hollywoodhaciéndose cargo del mismo. Recordemos que la novela sobre la que se basa lahistoria está escrita por el primo de EL PRODUCTOR que los popes de laindustria veneran y no escatiman albores a su obra, el clásico David O.Selznick (King Kong, Lo que el viento sellevó, etc). Entonces es eso, una película dirigida por un cinéfilo de lageneración de los directores de autor de los 70, con línea directa al teléfonorojo de las nominaciones.

Y cierto es que lapelícula respira cine. Todo habla del cine. Claro, cómo no va a hablar de cinesi está dirigido por un NERD, un fanático obsesivo. Porque, hay que decirlo,Scorsese es NERD (¿alguna vez lo vieron hablar?, siempre hiperquinético, torpecomo un NERD que se atraganta con su propia pasión por las cosas). Lo que porcierto para este humilde redactor cierra el debate de que un NERD no debeasociarse al gusto obsesivo por el mundode la fantasía, sino a aquel que gusta de coleccionar y acumular datos deuna disciplina en particular, por el mero gusto personal. Pero volviendo a la película, habla de cine y está pensada escena porescena por alguien a quien le gusta pensar la vida desde el cine. En los primeros minutos (y no es casualidad que estéal comienzo), el juguetero “George” pasa de continuado las hojas de la libretaque tanto protege Hugo, para ver junto a los espectadores cómo se anima un dibujo de la libreta. Esdecir, descubrió la esencia del cine, que no es más que un conjunto de imágenescontinuadas que dan la ilusión de movimiento.

O la utilización del efecto Kuleshov a través del autómata,que cambia de expresión según el tono de la escena, cuando en realidad es lamisma cara impertérrita, pero a través de la asociación del montaje podemos versus diferentes expresiones.

No es casualidad tampoco la atmósferade la historia, donde los engranajes y rotores abundan, como abundan ellos enel cuerpo de una cámara o un proyector.

Abundan también los homenajes a otraspelículas. Como el tren descarrilando que se eyecta por la ventana de laestación, homenaje que se explicita al final de la película con ese mismo planoen una de las de Meliés. U otros más sutiles, para esos NERDS, como cuando laniña tropieza en la carrera dentro de la estación y en un momento tansurrealista como la película surrealista de René Clair a la que homenajea (Entreacto)vemos ese plano de los pies de los transeúntes tomados desde abajo, caminandosobre un vidrio.

También se pueden percibir chistesinternos del universo del cine. En un momento, la niña (culta, lectora, legusta escribir) entusiasmada intenta explicarle a su Madre la gran aventura enla que están envueltos y comienza a trabarse con palabras complicadas, hastaque Hugo la interrumpe y le entrega a la señora un dibujo que lo explica todo.Una imagen (o varias secuenciadas, según el cine) son siempre más efectivas quemuchas palabras. El DIRECTOR (Hugo / Scorsese) acabó de poner a la GUIONISTA (la niña) ensu lugar. El cine es terreno de la imágenes, no de las palabras. Ya lo decíaHitchcock.

El 3D, muy bien utilizado por un amantede la técnica y conocedor del cine como arte. Y una vez más, con guiñosexplícitos que intentan explicar su vuelco al 3D, cuando vemos la famosa escenadel tren de los hermanos Lumiére acerándose y el público temiendo se les vengaencima (¿3d en los inicios del cine?).

Sobre si la película es para niños,creo que no. Más allá de detalles y personajes (el guardia de la estación, eluso de animales), no termina de tener el registro de una película apta paramenores de 12.

Hugono es más que un homenaje a un cineasta admirado por la industria (es divertidover cómo los franceses hoy representan al “cine arte”, cuando en los iniciosellos mismos lo vendían en ferias, al mismo nivel que las mujeres barbudas ylos monos de dos cabezas).

¿Meliés acaso no es padre del gran animador Ray Harrusaussen (se puede ver en lasescenas de los esqueletos guerreros que Ray reutilizó en Jasón y los Argonautas, o en el dragón de la cueva que homenajeó enSimbad, el marino), o el mismo GeorgeLucas? Así como Meliés no es más que un suegro de Jean Luc Godard o casicualquier película de medio oriente, lejanos a los esteretipos del cineHollywoodense (que entretiene como el mundo de sirenas y hombres-camarones deMeliés).

Hugo no es la mejor de sus obras,seguro que no. En sus dos horas se vuelve algo aburrida, y promete un mundomágico destinado a público infantil, aunque en realidad termina siendo unahistoria sobre porqué es importante preservar las películas antiguas. Es eso,nada más. Lisa y llanamente. Pero hay cine. Mucho. Y cine entendido como unNERD lo entiende. Tanto mejor.

A diferencia de otras películas hechaspara los Oscares, esta vale la pena.

Como epílogo de esta nota, si no se convencieron de Scorsese como NERD,dejo que los Simpson hablen por mí:

http://www.youtube.com/watch?v=sQur6v7p07E&feature=endscreen&NR=1

Kind of magic... La magia en el cine

2012-01-10T20:30:00.005-03:00

El cine tiene la maravillosa posibilidad de crear magia con solo un corte de cámara, algún que otro efecto especial y quizás un poco de maquillaje... Todo esto es "natural" para el cine.

Sin embargo, salvo que se trate de una de superhéroes o de fantasía, donde la magia forma parte de la lógica de la película, el guión siempre tiene que justificar la aparición de un hecho fantástico. Paso a explicarme:

Si hay dos personas que intercambian personalidades, como en las películas que en este blog llamamos "Yo soy vos y vos sos yo" (Un viernes de locos, De tal padre a tal hijo, Pide un deseo, etc.), la película muestra a los personajes en su vida normal y moderna al principio. Luego, sucede un fenómeno mágico, apoyado en algún elemento extraño, que cambiará las personalidades de cada uno: una galleta de la fortuna en un restaurante chino (Un viernes de locos), una estatua azteca en un museo (It's a boy - girl thing); una estrella fugaz (Pide un deseo), etc. Luego, se da la magia y los personajes intercambian personalidades.

Como estamos hablando de magia, también pueden intervenir brujas y pócimas, como en La muerte le sienta bien, donde las protagonistas toman un elixir que las rejuvenece, y Pócima de Amor N° 9, la cual (como su nombre lo indica) hace que las personas se enamoren de quien la tome.

En los primeros ejemplos de cambio de personalidad, muchas veces no hay voluntad de los personajes de que la magia suceda. Por eso es que, después de la escena de la magia, viene la escena donde los personajes se duermen y luego se despiertan sorprendidos al no encontrarse dentro de su propio cuerpo.

En las de pócimas, hay voluntad del personaje, claro... pero la mayoría de las veces quiere ocultar al resto de los mortales la existencia de un líquido con poderes milagrosos.

También están aquellas en las que la magia se aplica a un personaje pero, el hechizo es hecho sin que este lo sepa. Un ejemplo es el de Amor Ciego, donde interviene el mismísimo Tony Robbins "des-hipnotiza" al personaje de Jack Black, sin que éste lo sepa. Algo parecido sucede en (debo confesar... una de mis favoritas) Mentiroso Mentiroso, en la que el hijo de un abogado mentiroso pide un deseo a las velitas de cumpleaños para que su papa no mienta durante al menos un día.

Sea a través de un deseo, con voluntad o sin voluntad, el pase mágico tiene que anunciarse de alguna manera ante el público. Y acá, no importa si es con una pócima, una galletita de la suerte o unas velas de cumpleaños, casi siempre intervienen algunos elementos comunes: sonidos de campanitas o de harpa o instrumento similiar, luces centelleantes como estrellitas, un viento terrible o una brisa leve, una cortina que se mueve, un temblor.... y finalmente, una voz en off que repite alguna frase que completa el hechizo. Estos son solo algunos de los elementos que nos dicen que la magia está interviniendo en la historia.

Casi siempre es la salida más fácil pero, de alguna manera u otra, compramos la historia completa, nos creemos que esa magia es posible... aunque solo suceda en las películas.

La mirada de uno - LA VIDA DE LOS OTROS

2012-01-02T17:50:00.008-03:00

Un agente secreto de la Stasi (el Ministerio para la Seguridad del Estado de la República Democrática Alemana), debe espiar la vida de una pareja de artistas:Un reconocido dramaturgo a quien el Estado le permite trabajar por no transmitir ideas subversivas en sus obras y una hermosa actriz que tiene pase libre gracias a los favores que le ofrece a un funcionario del gobierno.

El espía protagonista es uno de los más experimentados y fieles al sistema que puede haber. Duro, parco y extremadamente estricto, este hombre no duda en torturar psicológicamente a un presunto subversivo para sacarle lo que quiere oir y luego enseñar el método a los jóvenes estudiantes. Es el tipo perfecto para que el funcionario amante de la actriz le encomiende la tarea de empezar a espiar a la pareja feliz para "encontrar algo" que incrimine al dramaturgo.

Si bien la película es maravillosa en varios aspectos, se destaca por uno que siempre logra llamarme la atención cuando se da.

Entre estos aspectos tenemos las actuaciones de cada uno de los actores que es realmente magistral, donde cada uno logra una casi intimidad con el espectador en sus interpretaciones. Por otra parte está la representación y clima de la ciudad de Berlín de aquel momento, gris, sin alteraciones visibles, con los espacios públicos prácticamente muertos o vacíos. La trama es atrapante de principio a fin, con trazos de misterio y dramatismo sin necesidad de escenas de acción o violencia explícita.

Sin embargo, lo que me resulta más atractivo de esta película es que habla sobre sí misma... o mejor dicho para este caso... logra que el espectador tenga la misma perspectiva sobre la historia y personajes, que el protagonista sobre su objeto de espionaje.

Cuando empieza la película, vemos al espía como el peor de los hombres del sistema y a los artistas como la pareja más amorosa que tuvo que hacer sus concesiones para lograr combinar la pasión de su arte con la vida misma. No obstante, a medida que avanza la trama, poniéndose más intimista con los personajes, el espía nos empieza a dar casi pena al ver su casa monocromática, sin vida, al ver su soledad absoluta. También empezamos a conocer los secretos de cada uno de los artistas... los miedos e inseguridades del dramaturgo, las miserias de la actriz. Este cambio que nos va pasando como espectadores acompaña a la transformación de la perspectiva del espía sobre la pareja. Él mismo va metiéndose en su casa, en su intimidad, en su vida cotidiana, en los diálogos y en los secretos que cada uno guarda y así, pasa de verlos como dos posibles subversivos sin cara a dos personas que sufren, que aman a su país pero que también lo padecen...

De esta forma, la película logra, como pocas, no solo que el espectador viva casi lo mismo que el protagonista respecto a la pareja que espía sino que también logra que vayamos cambiando nuestra mirada sobre el espía.

Con un dramatismo que atrapa y emociona sin desgarrar, esta peli es un lujo austero (si cabe ese adjetivo) que vale la pena mirar.

Budista Kid - EL CAMINO DEL GUERRERO

2011-12-08T15:26:00.004-03:00

Saca la basura de tu mente. Basura es todo aquel pensamiento que te distraiga de lo que realmente importa: estar presente plenamente en este momento, aquí, ahora.

Una película poco conocida pero que vale la pena descubrir.

Hay muchas de estas pelis, hechas sobre superación personal a través del deporte: Rocky, Karate Kid, entre otras. En general, hay algunas características que se repiten. Tenemos un muchacho joven que tiene algún problema de relación con amigos, con "enemigos", con el resto del mundo, o es incomprendido en general, sometido o vapuleado. En medio de este problema, el protagonista de la película se encontrará con su mentor. Generalmente, es una persona de mayor edad, algo parco, seguramente exigente y riguroso pero eso sí... muy sabio... Rocky tuvo a Miky, Daniel-San tuvo a Miyagi y el muchachito de El camino del Guerrero (o Guerrero Pacífico) tiene a un avejentado pero muy "despierto" Nick Nolte; a quien su aprendiz apoda Sócrates.

En esta película vemos a Dan, un deportista olímpico que se especializa en los aros y está obsesionado con ganar en los próximos juegos olímpicos. Ultracompetitivo, se muestra extremadamente confiado en si mismo hacia el resto de los "mortales", pero en el fondo lo comen sus miedos (y a quien no!).

En una de esas casualidades, se topa con este viejo que trabaja en una estación de servicio pero que se nota tiene mucha más paz que él. El enganche con el pibe viene por el lado del entrenamiento para mejorar su rendimiento físico pero, en realidad, lo que el viejo pretende, es que el pibe entrene su mente.

Estar atento, despojarse de todo y estar presente en el "aquí y ahora", son pequeñas indicaciones que este tal Sócrates le ofrece a Dan. Hasta parecen estupideces cuando uno las ve en el marco de un entrenamiento para las olimpíadas pero, en realidad, son algunas de las pautas básicas que se pueden escuchar o leer en muchas de las enseñanzas espirituales, especialmente las orientales y budistas. Estar concientes, no quedarse pegado a los pensamientos y emociones, estar en el momento presente y no en el pasado o en el futuro... Enseñanzas budistas escondidas detrás de una película con fachada de "otra de esas tantas yankies de superación personal y deportes".

Si uno escucha al personaje de Nick Nolte con atención, quizás pueda tomar alguna de sus palabras y tener en cuenta que no son útiles solo para un pibe que quiere ser campeón de las olimpíadas, sino también para la simple (o no tanto) vida cotidiana que todos llevamos.

It's alive! - LA PIEL QUE HABITO, DE ALMODÓVAR

2011-11-23T22:39:00.001-03:00

Las películas de Almodóvar tienen muchos elementos comunes: del kitsch de los primeros años al melodrama de hoy, lleno de pasión y tragedia, y con la carga de sexualidad de siempre, la paleta de colores primarios saturados, el suspenso, y tantos otros...

Y hay otra cosa siempre presente en el cine de Almodovar: el CINE. Sus peliculas remiten de manera explicita a antiguos maestros como Sirk, Hitchcock, Fassbinder y varios otros. Su trabajo mezclando generos es siempre atractivo y sus guiones y pericia con la cámara nos muestran siempre lo buen narrador que es.

Otro de los méritos de este autor es la capacidad de presentar, aún en medio de tanto melodrama atravesado por los generos mas diversos (cinematográficos y de los otros), varios de los rasgos representativos de la identidad española.

Entonces, la conclusión a la que siempre llego es que, más allá de que algunas de sus películas puedan gustar (mucho) más y otras (mucho) menos, siempre vale la pena ver a Almodóvar. En lo personal, mis preferidas son Carne Trémula, La Flor de mi Secreto y Hable con Ella. La Mala Educación es una de las me aburrieron y vi Átame decenas de veces. Otra muestra de cuanto me gusta Almodóvar es que banco a Penelope y Antonio (casi) exclusivamente por su trabajo con este cineasta.

En el caso de La Piel que Habito, su nueva película que se acaba de estrenar en Argentina, creo que es la obra que más me gustó desde Hable con Ella, de hace casi una década.

En esta película, Pedro vuelve a trabajar con Antonio Banderas después de casi 20 años. En La Piel que Habito, Almodóvar nos presenta a un cirujano recluido en su mansion de Toledo, y que se dedica casi exclusivamente a atender a un paciente muy especial.

Si miramos un poco más de cerca, podremos ver que en realidad estamos frente a un científico loco, encerrado en su castillo, y que utiliza métodos que pasaron hace rato la barrera de lo convencional.

Poco le falta a este científico para ponerse a mirar a su criatura, cual Dr Frankenstein, y gritar al cielo frenéticamente diciendo "It's alive!"...

Y ahí de nuevo, asistimos a una nueva demostración del talento de Almodóvar, que está bien vivo. Un talento que nos sumerge en géneros que el director hace propios, con historias imposibles, sumándoles todo el abanico de condimentos (en forma tanto de sus obsesiones como recursos cinematográficos) que ofrece este autor manchego.

El costo de la coquetería - EL PRECIO DEL MAÑANA

2011-11-20T21:38:00.001-03:00

Vamos a empezar a describir El Precio del Mañana como si se tratara de un trailer:

"En un mundo donde el tiempo es la moneda de cambio. Cuando las personas llegan a los 25 años de edad, dejan de envejecer. Pero estan diseñados genéticamente para vivir un solo año más, salvo que consigan más tiempo. Al llegar a los 25, a todos se les activa en el brazo un reloj luminoso con una cuenta regresiva. A partir de allí, todos se desesperan por comprar tiempo. La gente puede dar o recibir tiempo, a cambio de lo que sea. El tiempo puede robarse. Los ricos, pueden ser inmortales. Los pobres, hacen lo que pueden por sobrevivir"

Ciencia Ficción, claro. Un género en el cual se nos plantean reglas de los más arbitrarias. Uno de los más claros ejemplos es el de aquel auto que te puede transportar en el tiempo al llegar a 88 millas por hora.

En general, en estos casos se genera una especie de contrato entre el film y el espectador, que acepta las reglas que se plantean: robots, o robots que se transforman en autos, o robots que llegan a sentir, etc.

Por más que lo que veamos no se encuentra en la realidad, se nos puede presentar dentro de un universo verosímil.

Cuando empecé a ver El Precio del Mañana, "compré" sin problemas la premisa. La idea del tiempo como moneda de cambio no es absolutamente novedosa, tampoco el tema del tiempo como nuestro recurso más preciado. Pero resulta interesante ver como uno se sumerge en un mundo donde las diferentes generaciones se ven igual de jóvenes (recordemos, una vez que cumplen 26, dejan de envejecer). Es imperdible la escena en la que Will Salas, el personaje de Justin Timberlake se despierta y, cuando encuentra en su cocina a Olivia Wilde, preparando el desayuno ligera de ropas, la saluda con un tierno "hola mamá".

Entonces, el personaje de Justin. Will Salas es un pibe del guetto, hace un par de años que llegó a los 25 y trabaja para vivir al día y que su reloj no llegue a cero. Todo tranquilo, hasta que una mañana un tipo que se suicida le regala 100 años. Entonces, no será fácil para alguien del guetto andar por la calle alegremente con un reloj que marque un siglo. Por ese tiempo, en el guetto terminas en una zanja.

Así empieza la aventura de Will, que es perseguido todo el tiempo por unos guardianes del tiempo que se encargan de recuperar el tiempo robado (hola Proust). En su huída, secuestra a Sylvia, la hija de un millonario, interpretada por Amanda Seyfried.

Lo que empieza como una huída con un secuestro, se transforma en un escape de a dos, ya que los jóvenes se enamorarán. Correrán y correrán por su vida, para que no los atrapen, y para no quedarse sin tiempo.

Para ese entonces, uno ya habrá conocido gran parte de este mundo de ficción, vió esos relojes fluorescentes que se activan mágicamente en los brazos de la gente, etc.

Pero cuando Will y Sylvia empiezan a correr, sucede lo inaceptable: por más que corran y corran por su vida, la chica en ningún momento decide deshacerse de los enormes tacos que tiene. Es más, cambia el modelo y todo. Una ridiculez absoluta.

Entonces, como la película no tenía nada más interesante para ofrecer, me resultó relativamente fácil enfocarme en este tema del vestuario innecesario.

Uno puede creer en aliens, sables láser, teletransportación, viajes en el tiempo o lo que sea... pero es imposible que una persona corra por su vida a lo largo de varios días, se cambie la ropa en varias oportunidades, y nunca deje de usar tacos.

Una cosa es que el personaje salga corriendo de una fiesta y no se saque los tacos en esa escena. Hasta ahí lo podemos permitir. Pero no puedo entender que teniendo que correr y correr, en distintas oportunidades, siempre use zapatos de ese tipo.

Es más, leí en algún lado que para filmar las escenas donde corre, la actriz tuvo que usar "stunt heels", algo así como "tacos de doble de riesgo", pero que así y todo no podía filmar.

Amanda Seyfried es una estrella en ascenso (aunque dentro de su horrible filmografía la única película más o menos rescatable que hizo es Chloe). Tiene la piel muy blanca y enormes ojos verdes, buenas curvas y las piernas bien flacas. Entonces, los vestidos cortos que usa en la película le quedan muy bien. Ojo, son tan arbitrarios como los tacos, pero algo más justificados, ya que no le impiden correr.

Imagino que, así como los vestidos, los tacos la ayudarán a verse más sexy, pero la coquetería no debería tener un costo tan alto. Por más coqueto que sea, pensemos que su personaje está corriendo por su vida! Si el tiempo tiene precio, los tacos son un costo muy alto!

Creo que, por más ridículo que parezca, la discusión tiene sentido. Podemos estar hablando de "vestidos sí, tacos no", pero atrás de esto está en juego la verosimilitud de un relato, que no es poca cosa.

Bailando... pero en serio - PINA, DE WIM WENDERS

2011-11-01T09:33:00.000-03:00

Por Vicky Malena, para "Creo que ya no estamos en Kansas..."

No se puede poner palabras a lo que no lastiene, no se puede describir algo tan conmovedor como la danza.

Habrá quienes se sienten mas atraídos haciaella, y los que menos, pero no se puede negar que cuando la palabra ha deponerse en el cuerpo, nos encontramos con algo profundamente poético. Por lobello, seguramente, pero ante todo por lo evocativo, lo abstracto, lo singulary lo efímero.

Pocas ramas del arte reúnen estas condiciones.Pocos se animan a contar a través del cuerpo, y en ese impulso, a develar sussecretos mas íntimos. Las mediaciones quedan para otro momento, y lo personalen particular, y lo humano en general, acaparan la escena.

Creo que la danza comprime en su ser, en sugénesis, lo que el arte debe tener siempre en cuenta. Lo bajo y lo elevado. Lomundano, concreto y tangible, con lo espiritual, lo que está en lo mas hondo dela existencia. Hay una voz, un pincel, una palabra, una mirada, que intentaexpresarse a través de un cuerpo, que es mortal, pero poderoso. Que un día seráparte de la tierra, pero que al mismo tiempo, ha convertido a esta en lo quehoy es el mundo.

Que ha librado batallas, guerras, ha encontrado la cura aenfermedades, y ha inventado tantas otras, y todo esto, con absoluta concienciade que un día el corazón dejaría de latir, y a llorar al campito.

No hace falta aclarar que vi Pina, de Wim Wenders, y meencantó. De eso hablaba en las líneas anteriores.

REQUIEM PARA UN LUCHADOR CALLEJERO - Mi obituario para Ed Sullivan y sus esclavos camboyanos, gran dealer de películas...

2011-10-28T02:22:00.001-03:00

Justo ahora no se me ocurre un ejemplo concreto, pero imagino que habrán visto la escena mil veces: el villano yace en el suelo, derrotado. Mientras tanto, el héroe se relaja y mira victorioso al horizonte...

De repente, en un último intento desesperado, el villano, aún sabiendo que no tiene chances, hiere mortalmente al héroe. Esto no le sirve para salvarse y el villano lo sabe. Lo hace solamente por la cruel satisfacción de evitar el final feliz.

Bueno, esto es lo que ocurrió ayer en la Ciudad de Buenos Aires. Ese gigante derrotado llamado Blockbuster, declarado en quiebra y sin presencia en el país, realizó una denuncia contra los muchachos de Ed Sullivan y sus esclavos camboyanos, acaso el principal dealer de dvds truchos de la zona.

Así, la policía Metropolitana ingresó hoy a las oficinas de Ed Sullivan y secuestró más de 50.000 copias de películas piratas, que muchos esperábamos para disfrutar este fin de semana, que pinta fresco en Buenos Aires.

Este viernes, el pequeño ejército de delivery boys (siempre los consideré sus esclavos camboyanos) no llegará hasta nuestras oficinas con ese sobre de papel madera, envolviendo una jugosa cantidad de sobres de DVDs, cada uno con su código. Y aquel papelito que hacía las de recibo, donde podíamos ver a qué película correspondía cada código. Vamos a extrañar todo eso.

Un poco de historia. Hice mi primer pedido a Ed Sullivan hace 9 años. Por aquel entonces, aún se llamaba El Tomi Records. Pedí una cantidad enorme de películas. No podía creer la variedad. Por entonces, no recuerdo una página web. Todo se hacía por mail. Las pelis costaban alrededor de 20 pesos.

Nunca me voy a olvidar cuando descubrí que Cristian, mi amigo del laburo que vendía películas en la oficina, ofrecía a nuestros compañeros el catálogo del por entonces desconocido Tomi Records, como si fuera propio. Cristian cobraba 25 pesos cada película. Cuando recibía un encargo, hacía en secreto un pedido a El Tomi y listo. Compraba a 20 y vendía a 25. Algunos lo hacen con acciones... Cristian lo hacía con DVDs truchos.

El Tomi apareció en la época de la crisis del 2002. Aquel no era momento para armar una videoteca de DVDs puramente con películas originales.

El tiempo pasó y los diferentes dealers también. Ninguno era como Ed Sullivan (que ya no se llamaba El Tomi - Muhammad Alí ya no era Cassius Clay). Entrega casi inmediata, y un catálogo que crecía y crecía. Todos los precios en el país subían, pero los de Ed Sullivan bajaban.

Blockbuster se ponía de rodillas. Sus góndolas se llenaban de los últimos estrenos, mientras que Ed me ponía a disposición la obra de Godard, Truffaut, Antonioni y muchos más. Estrenos pochocleros y grandes películas, sólo por unos pocos pesos.

La decadencia del imperio americano se percibía hacía rato, pero fue exactamente el día en que una película grabada costó lo mismo que un alquiler, cuando todo terminó para Blockbuster.

La página de Ed se fue perfeccionando hasta llegar a la actual, que no tiene nada que envidiarle a Amazon.com

Todavía tengo por ahí guardada la calcomanía que me llegó un día con un pedido. Si, Ed Sullivan te mandaba calcomanías promocionando la marca. Y las ofertas, una mejor que la otra: para navidad, el día de la madre, el mundial, lo que sea...

En general, disfruto más de una película original. Pero lo de Ed Sullivan era increíble: películas que no conseguía en ningún lado, aparecían ahí. Era casi como uina voz que me decía "Lamentamos que no consigas la original, Fito. Pero acá la tenés a 6 pesos, si no tenés problemas en comprar una copia".

Los Paraguas de Cherburgo, de Jacques Demy, con una joven Catherine Deneuve. Busqué esa película por todos lados: en Buenos Aires, solo la conseguía en una horrible edición en VHS. Llegué a preguntar en la inmensa tienda de Virgin, en Nueva York... y nada. Hasta que me fijé en la página de Ed Sullivan, claro. El ángel que te trae las figuritas difíciles.

Hoy me enteró del operativo de la Metropolitana y pienso si algún día volverá a sonar mi teléfono en el trabajo, con la recepcionista avisándome que tengo un pedido de películas para mí.

Espero que así sea, y que allí encuentre estoico el delivery boy / mula / esclavo camboyano de Ed, con un sobre de papel madera, con esas películas que me hacen tan feliz.

Te quiero, Ed Sullivan!

(A vos, al argentino que vende películas... no a ese farsante que llevó a los Beatles a su programa de TV en los 60s)

Los Paraguas de Cherburgo, figurita difícil en mi videoteca gracias a Ed Sullivan.

La escena en la que más... banco a Viggo Mortensen: Pelea en el sauna

2011-10-25T22:31:00.006-03:00

Está bien... a muchos a agotado con su fanatismo por San Lorenzo... está bien, lo acepto. También nos pone un poco nerviosos a otros con su tono monocorde en las entrevistas, los yankies lo odiarán por hablar siempre de Argentina pero, la verdad sea dicha, a mi Viggo me cae bien.

En primer lugar, se nota que el tipo tiene corazón. Dudo mucho que todo lo que muestra sea parte de un personaje o una fachada. Algo de eso habrá, desde ya, pero en serio creo que él siente amor por San Lorenzo, que es un tipo tranquilo como se muestra y que de verdad tiene afecto por Argentina.

Además de esta cuestión personal y de actitud ante la vida, se suma el hecho de que me gusta bastante como actor. Ha hecho un poco de todo, pero quizás nos faltaría verlo en un papel deospilante y cómico. Hasta ahora se lo ve bien en los roles más misteriosos, fuertes y algunos con una cuota importante de violencia que sale de esa apariencia tranquila y bonachona, como en Una Historia Violenta.

En esta última, al igual que en Promesas del Este, David Cronenberg, es el Director. En Promesas logra en Viggo una actuación muy buena con un guión que no está a la altura. De cualquier manera, el tipo logra mostrarnos ese personaje tan frio como para cortar un cadaver en pedacitos y repartirlo por todo Londres para que no lo encuentren, pero con el suficiente afecto como para enamorar a Naomi Watts, cosa que es muy disfrutable. Por otra parte, como en otras películas, ésta vale especialmente por una escena, que no es poco...

La peli, cuenta cómo una médica se involucra con un caso de una chica que muere en el hospital, dejando una nena recién nacida y un diario íntimo donde relata las atrocidades vividas bajo el sistema de trata de mujeres, regenteado por la mafia rusa en Londres. El personaje de Viggo Mortenensen forma parte de este círculo, al ser el chofer de la familia en cuestión; en una posición muy cercana al hijo del jefe y con una llamativa confianza por parte de este último.

En la escena a la que nos referimos, unos enemigos de la familia quieren matar y vengarse del hijo del jefe. Éste, decide salvar a su hijo a quienes los enemigos no conocían físicamente, haciendo pasar a Viggo en su lugar. Es decir, lo entrega...

Si antes, para castigarte, los rusos te mandaban a Siberia, ahora parece que te mandan al sauna. Y ahí es donde lo citan a Nikolai, el personaje de Viggo para engañarlo y entrgarlo. Y acá hay que sacarse el sombrero, porque este hombre de 50 años se desnuda por completo y pelea cuerpo a cuerpo, con nada sino sus puños, con otros dos en un sauna o baño turco resbaloso y sin mucho lugar para esconderse o taparse. No hay música funcional, ni persecusión en auto ni, explosiones., ni una chica al final... y Viggo se la banca igual... La pelea tiene el toque especial de Cronenberg, quien gusta bastante de la violencia. De cualquier manera, tiene mucha calidad y le da un valor agregado a la película.

http://youtu.be/ll9gnBb_sqY

No serán descamisados, pero te aguantan en todas - LA LEALTAD EN EL CINE

2011-10-16T22:30:00.000-03:00

Me atrevo a decir que los hobbits no sonperonistas. Viven de la agricultura y la industrialización del hechiceroSaruman representa una terrible amenaza para su estilo de vida. Definitivamente, no están afiliados a ningúngremio y viven pacíficamente en un idílico sistema semi feudal.

Ahora bien, cuando de lealtad setrata, estos pequeños seres creados por JRR Tolkien no tienen nada queenvidiarle a los descamisados del general.

Si Sam fue capaz de acompañar aFrodo hasta el mismísimo Mount Doom, no tengo dudas de que le hubiera parecidoun trámite ir hasta la isla Martín García a exigir la libertad de Perón.

Así es la cosa, en el cinetambién encontramos personajes cuya lealtad no conoce fronteras. Con o sincamisa, permanecen al lado de sus amigos hasta las últimas consecuencias.

A continuación, un pequeñohomenaje a personajes leales en el cine:

Sam (El Señor de los Anillos)

Quizás el más grande exponente enlo que se refiere a esta virtud. Después de prácticamente un año de travesía, alo largo de 3 películas de 3 horas y pico cada una, Frodo no puede seguir llevando el peso delanillo (los que se pregunten ¿por qué pesa tanto un anillo? no sigan leyendo).Falta muy poco para llegar, pero no le quedan fuerzas. Dice que se sientedesnudo en la oscuridad, que todo terminó. Pero no. El fiel Sam se levanta la cabeza yllorando le dice: “Si no puedo llevar el anillo, te llevo a vos”. Así, Samcarga a Frodo a la cima del volcán para tirar el anillo. Definitivamente, unpersonaje que hubiera resultado un compañero de fórmula mucho más adecuado paraCFK que el denostado por el oficialismo (y hoy por casi todos) Julio CésarCleto Cobos.

Cabe recordar que el actor SeanAstin, que hace de Sam, nos habíamostrado hace muchos años un adelanto con su Rudy, un estudiante increíblementefiel a sus convicciones y a los colores de Notre Dame.

Hachi (el perro de Siempre a tulado)

Mientras escribo estas líneas, seme ocurre que el fiel perro Hachi sigue esperando a Richard Gere en aquellaestación de tren. Para los que no vieron la película del lacrimógeno suecoLasse Haalstrom, la cosa es así: un día, el dueño de Hachi se muere en sutrabajo, y el perro se queda esperándolo en la estación de tren. Pasan lashoras, y el perro sigue allí. Pasan los días, y el perro sigue allí. Pasan losaños, y el perro sigue, esperando a su dueño. Una película que no tienedemasiados méritos en sí misma, sino que su fuerza radica en lo increíble delcaso que nos presenta, basado en una historia real. Es como si te sacaranlágrimas a mano armada. Ya lo dijo el Indio Solari: ¨¿Cómo no sentirme así, siese perro sigue allí?¨

El Señor Blanco (Perros de laCalle)

Luego de un asalto que sale mal,un grupo de delincuentes desconfían entre sí. El señor Blanco (Harvey Keitel) esun criminal con códigos y sentido de justicia. Ha entablado una amistad con elseñor Naranja (Tim Roth) y confía plenamente en él. Lo defiende hasta el final,donde el señor Naranja queda mortalmente herido. Mientras el señor Blanco lo sostieneen sus brazos, el señor Naranja le confiesa que en realidad él era un policía infiltrado. Es ahí cuando el señor Blanco no soportahaber confiado tan ciegamente en el traidor y lo mata. Al toque, entra elapolicía y le dispara al señor Blanco. Un terrible caso de ¨lealtad maldepositada”.

Jerry Maguire y Rod Tidwell(Jerry Maguire)

Parece una comedia romántica,pero es mucho más que eso. Entre otras cosas (casi las únicas películas dondebanco a Renee Zellweger y a Cuba Gooding Jr), Jerry Maguire es una películasobre la lealtad. Luego de una especie de ¨revelación moral¨ el representantedeportivo Jerry Maguire escribe una suerte de declaración de principios sobre cómodebería ser la relación entre los representantes y los deportistasrepresentados. Eso le cuesta el puesto en la agencia donde trabaja. De todossus representados, solamente uno se queda con él: un mediocre jugador de fútbolamericano llamado Rod Tidwell. Así, para devolver la confianza depositada enél, Jerry se convertirá en mucho más que en un representante: en un leal amigoy consejero.

Ron y Hermione (Harry Potter)

A lo largo de siete libros y ochopelículas, estos dos alumnos de Hogwarts se han preocupado más por acompañar asu amigo Harry Potter en sus andanzas que por ocuparse de sus propios asuntos. Nihablar del pobre de Ron, condenado a vivir bajo la sombra de su valiente yexitoso amigo, al punto de tener que bancarse que el anteojudo salga con suhermana y todo. Por suerte, al final se hace justicia y el leal Ron se quedacon la chica.

El camino a la transformación: Thelma y Louise

2011-10-11T16:42:00.002-03:00

Será porque este fin de semana mi ciudad estuvo repleta de mujeres expresándose en conjunto, será porque está buena la peli y nunca escribimos al respecto, será porque tengo ganas nada más... hoy le toca a un clásico de los 80s: Thelma & Louise.

¿Por qué será un clásico? uno podría preguntarse... Si un clásico debiera, al menos, tratar temas que trasciendan las generaciones y la mayor parte de las culturas, entonces no sé si esta peli califica pero seguramente tiene algún tema, algún diálogo, algún personaje, algún tipo de ícono que ha logrado que quede marcada en la memoria de muchos. De cualquier manera, creo que hay algo trascendente en ella por más que se la trate simplemente como una buena peli entretenida, muchas veces.

Según el Director (no de esta) Sidney Pollack, las películas, al igual que las esculturas, deben tener una columna vertebral. Algo que sostiene a toda la obra y alrededor de la cual se engancha el resto de los elementos que hacen a la misma. Sin embargo, esta columna debe quedar casi oculta para el ojo del espectador. Yo lo imagino como algo sutil y apenas perceptible. De acuerdo con Pollack, si uno sale del cine diciendo "X" era el tema principal de la película, la misma había fallado en algún punto.

Dudo que, en el caso de Thelma & Louise, la peli haya fallado en ese sentido... pero creo percibir esa columna vertebral en la que se apoya. En una primera vista podría decirse que es la fuerza femenina y la amistad entre dos mujeres. Sí, seguro que eso está en la película, pero no sé si es el tema alrededor del cual está construida. Me inclino más por decir que se trata de una película sobre la transformación.

Esta suerte de mezcla de road movie (película que transcurre durante un viaje) y película del oeste, nos presenta a dos mujeres, si se quiere, opuestas. Por un lado está Louise, una mina claramente decidida, inteligente, con caracter y edad con experiencia. Por el otro está Thelma, distraída, aparentemente superficial , insegura, sometida a su marido y más bien inmadura. Ambas tienen una belleza especial, la primera con el paso del tiempo marcado en la cara pero con una elegancia clásica; la segunda con la hermosura propia de la alquimia entre una chica inocente y una yegua (en el mejor uso de la palabra).

Las dos emprenden un viaje de fin de semana buscando un "escape". Louise de su vida ajetreada y un novio que no se termina de comprometer y Thelma de su rutina de sometimiento y asfixia. Una de las características de las road movies es que los personajes se vayan transformando durante la película... y esto claramente ocurre acá.

Después del evento principal, que desencadena todo lo que ocurre después, empieza la transformación de las chicas. De la belleza elegante y arreglada van pasando a otra más desprolija y salvaje. Los pelos se alborotan y los labios ya no tienen maquillaje. No hay más caretas... son ellas con la realidad que las rodea.

Algo similar va pasando con sus personalidades. Thelma empieza a despertar y a confiar más en si misma. Toma decisiones clave y se atreve a portarse mal de una vez por todas. No se la ve más sometida, sino más bien segura y con algo de caracter para enfrentar a un tipo que la molesta o a su mejor amiga; de hecho, va adquiriendo ciertos aspectos de su personalidad. Louise, por su parte, sigue tomando las decisiones más operativas pero ya no es una maquinita 100% seguridad. Ahora se muestra vulnerable y quebrada. Solo después de varios cambios puede pedir ayuda a su novio y demostrarle más cariño y necesidad.

Pero eso no es todo, sino que la columna vertebral, esta transformación, sostiene además, otros varios elementos que hacen a la película. Así, las chicas van viajando de Arkansas hacia el oeste, a Oklahoma y a Texas. Las escenas en su lugar de origen muestan lluvia constante, mientras los paisajes que las acompañan en el oeste son lugares áridos y más ásperos. Thelma va adquiriendo algo de Louise pero también de ese desierto poco amigable. Louise, cambia la aridez por un poco de agua y lluvia, al dejarse llevar un poco más por sus sentimientos, pidiendo ayuda a su ex novio y confiando más en su amiga también. Ambas pasan de ser un par de chicas que quieren divertirse a ser dos mujeres prófugas de la ley que dejan atrás esa imagen estática de si mismas (como las que están en la foto instantánea en el auto).

Sus aspectos cambian y sus actitudes también. Sí, claro que se refuerzan como amigas y crecen como mujeres, pero el tema que acompaña, sostiene y sirve para que el resto de los elementos se acomoden, es la transformación.

El crítico que dijo que Transformers 3 es "la mejor película de acción de la historia"

2011-10-05T21:30:00.000-03:00

La semana pasada, chusmeando en un local de dvds importados, me topé con la edición en Blu Ray de la tercera entrega de Transformers (creo que acá se llamó Tranformers: el lado oscuro de la luna).

No sé bien por qué, pero tomé la cajita del Blu Ray y la empecé a mirar atentamente. Quizás para recordar que el apellido Spielberg figura entre los productores, quizás para ver una linda placa de la rubia que actúa (aparece, bah...) en la peli. No sé.

El tema es que doy vuelta la cajita y leo lo inimaginable: "The best action movie ever".

Sí, un crítico llamado Rusty Gatenby afirmaba muy campante que este armatoste completamente olvidable dirigido por Michael Bay era la mejor película de acción de la historia.

¿Cuál fue mi reacción? Y es un poco como si te dijeran que Justin Bieber es el mejor cantante pop de la historia. O que alguien simpatiza con el nacionalsocialismo. Lo primero que querés hacer es entender cómo alguien puede llegar a decir algo así. Cómo un ser humano puede pensar tan distinto a otro. La fantasía de sumergirte en la mente de alguien para comprender por qué piensa lo que piensa...

Así que lo primero que hice fue averiguar un poco sobre el crítico. Lo googié y no encontré nada demasiado raro: Rusty Gatenby es un crítico de ABC en la televisión de Minnesota. A simple vista no parece tener algún tipo de compromiso intelectual severo. Está casado, con hijos. Tiene 3000 amigos en Facebook, algo normal para un periodista. En Twitter, 569 followers y varias menciones de gente indignada que vió la misma cajita de DVD que yo. Nada me llamaba mucho la atención.

Después descubrí que Rusty es famoso por sus reportes diarios sobre el estado del tránsito. Eso me da la pauta de que el tipo es medio ladri... ¿así que cubre el tránsito y los espectáculos?

Igual que se especialice en el tránisto tampoco lo hace un estúpido. No tengo dudas de que "Jota Leonetti", el locutor que informa el estado del tránsito en varias radios de Buenos Aires, debe tener gustos cinematográficos mucho más sofisticados que Rusty.

También me pregunté qué pensaría Rusty del cine de Peckinpah, John Woo, James Cameron, Spielberg o los hermanos Ridley y Tony Scott....

Seguí buscando y encontré algo que aclara bastante el panorama. Rusty, el crítico de Minessota cubriendo el estreno mundial de Transformes 3 en Moscú.

Epa! Al crítico de Minessota lo invitaron a cubrir el estreno. Flor de dato. Esto puede ayudarnos a descubrir el misterio.

Rusty hace entrevistas y cholulea con todos los actores, haciendo quedar a gente como Marley o Catalina Dlugui como los reyes del profesionalismo. Ya a la vuelta de Moscú, Rusty le cuenta a sus compañeros del noticiero que tuvo la oportunidad de conocer al director y a los protagonistas, que compartió una fiesta con ellos, que contaron chistes, que Moscú es mucho más lindo de lo que pensaba y que los rusos lo sorprendieron por lo amigables.

Luego, Rusty sigue con su crítica, explicando que "si tenés diez años, es la mejor película de acción de la historia" y que "como te sentís de 10 años al verla", entonces se trata de "la mejor película de acción de la historia".

Entonces, los tipos que llevaron a Rusty a Rusia cortan la frase y la pegan en el dorso de la caja del DVD. "Es lo mínimo que puedo hacer por ellos", pensará Rusty.

Intento comprender a Rusty.

Me trato de poner en esa situación y busco un ejemplo, con una película anterior de Michael Bay: Pearl Harbor me pareció una basura, tiene todo lo que odio en el cine.

Pero si me hubieran invitado al estreno en Hawaii, y hubiera podido salir de joda con el director y los actores, Kate Beckinsale incluída...

... entonces con Hawaii, la joda y Kate, quizás hubiera acuñado la frase "Pearl Harbor es la mejor película bélica de la historia y no tengo dudas de que Hirsohima y Nagasaki eran la única opción luego de ese terrible ataque"
O quizás hubiera opinado lo que opiné sin recibir ninguna dádiva: que la película es una bosta...

Era para reír, pero también lloré - BRIDESMAIDS

2011-10-03T00:22:00.001-03:00

Por Sole Mendonça Paz, para "Creo que yano estamos en Kansas..."

Cuando empecé a ver Bridesmaids lo primero quepensé fue qué bueno, extrañaba reírme a carcajadas,pero a medida que fue transcurriendo la película empecé a sentirme tanidentificada con la desastrosa vida deAnnie y las coincidencias con la mía que me caí en el espejo y por momentoslloré con igual ímpetu. Lo bueno es que la mayoría de la gente sólo se ríe.

Annie (Kristen Wiig, SNL) está en bancarrota, compartedepartamento con unos hermanos freaks y deprimentes, hace un tiempo cortó consu ex novio/socio en la pastelería de sus sueños, tiene un amante (Jon Hamm, Mad Men), insoportablemente buen mozo,nuevo rico, cavernícola y egoísta, de esos que llaman a las tres de la mañana ycomo no tenés nada que hacer y ningún otro hombre cerca le abrís la puerta opeor, como ella, vas a domicilio y encima tenés que irte antes de que te echen.

Annie tiene treinta y largos (o por ahí; puedeser parte de mi proyección también), una edad en la que podés estar feliz con elbalance de tu vida o haber perdido toda ilusión de que la vida es bella. Unaedad en la que por momentos podés volverte tan cínicamente realista que ya nadate ilusiona y no tenés más energía para fingir ni para aguantar a los ilusosque todavía creen. Sentís que no conseguiste nada porque en vez de tener unacarrera como la gente, hijos y marido, te dedicaste a perseguir tus sueños y comolos sueños, sueños son y no está Berugo para hacerlos realidad, solo te quedanlas lecciones de la experiencia (que no es poco), pero no se lo podés refregar a nadie en la cara, ni llevar su foto en labilletera.

Es en ese momento de la vida que Lilli (MayaRudolph, SNL), la mejor amiga deAnnie, le muestra feliz su diamante de compromiso, anuncia la boda y le dice que por supuesto ella será la Maid of Honor, lo que implicapasar varios días y eventos con las otras bridesmaids, (diferentes estereotiposde mujeres que detestás) y gastar fortunas que no tenés en vestido, regalo ydemás p*l*t*d*c*s.

Annie la pasa cada vez peor, siente que Lilly separece cada día más a su nueva amiga Helen (su némesis) y que adora las ridiculeces y extravaganciasque antes criticaban juntas.

Pero como es una película, las cosas al finalempiezan a mejorar, aparece el policíaque no la rescata, pero la motiva y funciona de zanahoria para que se pongamedia pila y por lo menos arregle las luces del auto. Y es entonces que en lavida de Annie el sol, en efecto, brillará mañana. Yo, en cambio, soy parte delmundo real y sigo sola un viernes a la noche, sin siquiera el amante ordinario,compartiendo una pasta frola con las hormigas que hace unos meses okupan micasa y escribiendo este post para el blog de mi hermano, que me dice que seniega a colgarlo hasta que ponga algomás feliz al final y le cuento que aunque el realismo extremo me hayaconvertido en una pesimista, soy mujer ysi no creyera que algún día llegará mi policía, no estaría escribiendo estepost porque ...

El solbrillará mañana

que teapuestas tú a que mañana sale el sol

Si piensasque habrá mañana todos

tusproblemas, nada son.

Cuandoel día es muy gris o estoy muy triste

la cabezalevanto y digo así..

Un post arbitrario y mala leche: LOS LATINOS EN HOLLYWOOD

2011-09-30T12:23:00.001-03:00

Por Julia Mengolini, para "Creo que ya no estamos en Kansas..."

Mi amigo Fito me pidió un post para CQYNEK con una consigna concretísima: las minitas que bancas y las que no. La inspiración de Fito- supongo- debe haber tenido que ver con que suelo expresar mis odios y mis amores hacia las minas. (estamos hablando de actrices admiradas, por supuesto, nabos, esto es un blog de cine). Empecé por el rubro “latinas” y me di cuenta que el post en realidad tenía que ser eso: un análisis sociológico y mala leche de los latinos en Hollywood. Para otra vez dejamos a las minas que amo. Hoy no siento amor.

Las “Latinos”

Qué difícil es lograr cierta elegancia con el mote “latino” tatuado en la frente. Que no se me malinterprete. Claro que no soy racista, ni clasista, ni xenófoba, se imaginarán que no sólo soy latina yo misma sino que soy más latinoamericanista que el UNASUR y que Juan Palomino. Pero los latinos no logran elegancia por una cuestión estructural casi imposible de saldar: tienen un algo de wannabes. ¿Por qué no se quedaron haciendo teleseries en sus respectivos países? Porque querían “triunfar” como si sinónimo de eso fuera irse al país del norte. Me embola que sean tan cipayos, nada más grasa que un cipayo o gusano, teléfono para Eva Mendes.

Además, no se dan cuenta que para los yanquis, los latinos somos como mascotas. Por empezar, no distinguen nuestros países. Para ellos, no sólo es lo mismo Guatemala que Costa Rica, que Brasil, sino que si se les aparece una Rumana, le mandan “latina” también. Somos “latinos”, sin distinción, una gran subespecie pintoresca de la raza humana a la que además obligan a hablar en inglés, y los someten a hablar con esos acentos espantosos, capaces de sacarle el sex appeal a la mismísima Penelope. (Nota: Escena de alta comedia: Penélope le dice al personaje que encarna Nicolás Cage en La mandolina del Capitán Corelli: “Yu zinc yu cancaman tern mai joluar upsaidaun? Traducción: You think you can come and turn my whole world up side down?)

A tal punto llega la generalización que fíjense cómo caracterizan a nuestros países. En sus películas, cualquier nación al sur es calurosa, llena de narcos, caminos de tierra, muchas palmeras y bananas y de dudosos valores democráticos, cuando no hay un dictador bananero bien negrito y de traje verde (nota del editor: tenemos un post interesante sobre estos estereotipos). En fin, yo les perdono estos yeites porque en definitiva hacen las mejores películas y ellos son así, bien egocéntricos, qué le vamos a hacer. Pero de ahí a ir a querer ir a “triunfar” a un país que trata de ese modo a tu propia identidad, que te trata como a un perrito, eso es muy berreta, es muy humillante. Ahí ta. Lo dije, los latinos en Hollywood se humillan.

PD: Sin embargo, debo decir que tampoco soy tan intransigente. Hay algunas actitudes que banco. Salma demostró grandeza cuando quiso producir una peli que contara una historia de su pueblo y no sólo eso sino que ella misma quiso encarnar a Frida, aunque eso implicara abandonar el sex appeal permanente y vestirse de fea. Además, la peli está buenísima. Y paren de contar. Vuelvan a las teleseries!!!!!

¡No es lo mismo! - LAS REMAKES

2011-09-26T07:31:00.001-03:00

Por Daimar Fitte, para "Creo que ya no estamos en Kansas..."

El “administrador” del blog mepreguntó cuándo escribiría algo para “Creo que ya no estamos…” y las remakessurgieron naturalmente. Es habitual queme hagan ruido.

La industria cinematográfica deberíaabstenerse, como regla general, de hacer remakes! No me refiero a versiones nuevas de librossobre los que se han hecho otras versiones; me encantó la “Alicia en el país de las maravillas” de Burton, pero seráque a mí me gusta la estética que él propone. Puede que no sea objetiva, pero me gustan suspelículas.

Supongo que el éxito de crítica ode público en un determinado momento, hace que una película surja comocandidata a una remake; apelando en la segunda vuelta a estrellas de moda, conmás producción y, claro, expectativa de éxito de taquilla. La receta no es infalible,claro. En general, las remakes pierden la espontaneidad, el brillo y el clima delas originales.

Tomando ejemplos concretos,menciono: “Les Diaboliques” (Francia, 1955) y su remake “Diabolique” (USA, 1996). Simone Signoret y la atmósfera oscura de lapelícula original son únicas. En la versión americana, Sharon Stone resultasobreactuada, la película no deslumbra. Parece que a al rehacer las películasse les olvidara algún ingrediente importante, como el suspenso bien llevado!

Aparte de las remakes que hacenen USA de las buenas ideas que otros tuvieron en otras latitudes (me resisto a ver la versión americana de loslibros de Millenium), también tratan de reproducir éxitos de otros momentos,que ellos mismos supieron crear en épocas de mentes con más lustre. En estecaso, una de las películas que me tuvo con el corazón en la boca (la original)fue Cabo de Miedo (1962), Robert Mitchum –el malo- y Gregory Peck –el bueno. El suspenso, sin mostrar nada! Sugiriéndolotodo! Cuando apareció la remake en 1991, le di una oportunidad y fui a verla.Si bien reconozco que De Niro es bueno, en un punto se me hace siempre elmismo. Lo he visto en infinidad de películas, pero me da la impresión de que setorna repetitivo. Y Nick Nolte…no puedo evitar la comparación con Gregory Peck,y el physique du rôle, lo da Peck, nolo da Nolte! Pero lo más importante esque en esta segunda versión, el suspenso, si bien existe, está relacionado conuna cuota de violencia explícita que la original no tiene y, personalmente, meda más miedo el suspenso que la violencia explícita! Me parece que ladiferencia más importante entre la original y la remake es esa, cambiaronsuspenso por violencia; y no es lomismo, la esencia de la peli se hundió en el pantano junto con el asesino.

Pero bueno, es mi opinión. Paraver tortura y sangre, me siento a ver“El juego del miedo I y resto” con mi hija y con un trapito para limpiar lassalpicaduras sanguinolentas.

Es justo mencionar excepciones que confirman la regla: LosInfiltrados (2006, Martin Scorsese) y 12 Monos (1995, Terry Guilliam). En amboscasos, las originales (Infernal Affairs -Hong Kong, 2002- y La Jetté -Francia, 1962-, respectivamente) nofueron tan conocidas y eran muy buen material, que en manos de directores comolos mencionados no sólo serían éxitos seguros sino garantía de calidad.

De las remakes de James Bond,mejor ni hablar.

La escena con el aviso más sutil: Charlene y Chris en HEAT

2011-09-19T00:25:00.005-03:00

Heat (Fuego contra Fuego) cuenta la historia de un grupo de ladrones de alto profesionalismo que planea y ejecuta un gran golpe a un banco mostrando, en paralelo, el trabajo de un policía que busca por todos los medios atraparlos. La peli incluye, además, para cada uno de los personajes principales, el relato de parte de sus vidas personales, especialmente las amorosas. Lo bueno es que el equilibrio entre lo que se muestra de ambas cosas es casi perfecto, lo personal ayuda a humanizar a los personajes pero el suspenso de la historia y adrenalina de ciertas escenas permanecen intactos.

Una de las mejores frases o momentos que retratan el espíritu de la película y de la vida de estos hombres es una que dice el personaje de Robert De Niro al personaje que interpreta Al Pacino: Un tipo me dijo una vez... no te apegues a nada de lo que no estés dispuesto a alejarte en 30 segundos si sentís el "calor" cerca. Claro que por "calor" se refería a la policía y por "apegarse a nada" se refería, seguramente, a una pareja, hijos, etc.

Esto se muestra un par de veces en la peli y le toca también al personaje de Val Kilmer, Chris. Este tipo está casado y con un hijo. Tiene sus problemas, claro, pero la escena en cuestión demuestra el amor verdadero que tiene su mujer Charlene (Ashley Judd) por su marido.

El grupo acaba de dar el golpe pero también se entera que todos fueron delatados, motivo por el que deben escapar, sea como sea. Chris no quiere irse sin su mujer pero lo que él no sabe es que la policía llegó antes a su casa para apretarla, amenazarla y manipularla con el fin de que ella lo delate, total... qué vida puede tener su hijo con un padre así y en la cárcel... "Delatalo, salvate vos, salvá a tu hijo...". Los tipos están en su casa, esperando que Chris llegue en el auto a buscarla y que ella salga al balcón a reconocerlo para atraparlo.

Finalmente, les avisan que está yendo un hombre en un auto que podría ser Chris; entonces le piden a Charlene que salga al balcón a reconocerlo. Y acá interviene de forma decisiva el ojo y la cámara del Director Michael Mann. El momento real dura unos segundos pero la escena pero la sensación creada por el suspenso nos la estira varios minutos más. Hay múltiples miradas y gestos sutiles que se van sucediendo de forma vertiginosa y que son mostradas magistralmente en diferentes planos, compuestos de manera tal que hacen una escena perfeecta:

Charlene sale al balcón bajo la mirada de un policía, mientras tanto, Chris sale del auto, con otro cana muy cerca listo para atraparlo si hiciera falta. Ella está decidida a no delatarlo pero, a la vez, sabe que tiene una sola oportunidad para avisarle que lo están buscando. Tiene que combinarse el hecho de que crucen miradas, que ella pueda hacerle algún gesto, sumado a que los policías no lo noten. Entonces se da la escena: Él se baja del auto, ella mientras tanto, no le saca los ojos de encima, tampoco el policía le saca la vista a ella; en un momento él levanta la cabeza hacia al balcón, la ve y casi sonríe, en ese instante nota la cara de su mujer; está seria, tiesa y con algo de pena... es el momento para avisarle. Su cara ya dice bastante pero ella completa el mensaje con un movimiento sutil de su mano, como de corte; es suficiente con eso. La mano en primer plano y después la cara de Chris... el tipo entiende todo... A su vez, ella le confirma al policía que el tipo NO es Chris, dejándolo ir de las manos de la policía y también de su vida.

Hay películas que valen solo por una escena. Esta tiene una grandiosa, pero además, vale muchísimo por su todo.

Un post de Kira, mi sobrina - LOS PITUFOS

2011-09-17T00:08:00.001-03:00

Mientras llegaban a Buenos Aires de visita, mi hermana Ine habla con mi sobrina Kira:

- Ki, ¿te animás a escribir un artículo para el blog de Coco?

- ¡Obvio, me animo a tener mi propio blog!

La respuesta fue tan contundente que no perdimos tiempo. Un poco escrito por ella en mi compu, un poco preguntando por algunas palabras y un poco dictado por ella y escrito lo más textual posible, éste es el post que constituye la primera colaboración de mi sobrina en este o cualquier blog.

Por Kira Ogram, para "Creo que ya no estamos en Kansas..."

Me llamo Kira. Tengo 7 años. Soyespañola y argentina. Estoy en segundo B y vivo en san Martín de los andes. Voya escribir de la peli de los pitufos para el blog de mi tio coco que ustedes le dicen fito.

La fui a ver en san Martín de los andes en el cine Cotesma después de las vacaciones de invierno y fuicon mi mama y con una amiga. El cine estaba lleno de gente. Yo me vesti de azul para ir a ver la peli porque los pitufos son azules.

Yo conocía de antes alos pitufos porque los vi en you tube.

La peli se trata deunos seres que miden 3 manzanas apiladas que se llaman pitufos y que viven enun bosque en casas de champiñon y se quedan atrapados en nueva york por que gargamel los atrapa y se van por unportal secreto por culpa de tontín.

Gargamel es un hechicero malo que se quiere comer a lospitufos. Tiene un gato malo que se llama azrael.

En la parte que sequedan atrapados en nueva york estaban papá pitufo, la pitufina, pitufo tontin,pitufo valiente que tiene pollera, pitufo gruñon y pitufo filosofo.

Al final vuelven a lapitufialdea porque tontín los salva.

Habia una parte regraciosa que el pitufo que siempre se mira al espejo dice “una arruga!”.

La peli tiene unamoraleja que es que no hay que comer pitufos.

Firma Kira Ogram

STAR WARS POR DUMMIES - La Guerra de las Galaxias... según alguien que no tiene ni idea sobre el tema!

2011-09-14T20:55:00.000-03:00

Nota del editor:

El domingo, mientras arreglábamos entusiasmados con amigos para juntarnos a ver las nuevas ediciones de La Guerra de las Galaxias en Blu Ray, escuché una risa. Miré de reojo. Mi amiga Vicky se reía de nosotros. Es ahí cuando le propuse que a partir de su poco conocimiento del tema, con los pocos fragmentos que había visto, escribiera acerca de lo que sabía de La Guerra de las Galaxias, o sobre qué es lo que creía que era. Mi pedido fue acompañado de un mail con fotos, indicando nombre de cada personaje.

Intenté describir a cada uno para que ella entienda:

Pibe con flequillo y espada: Luke

Todo denegro, con casco: Darth Vader

Viejoarrugado con capucha: emperador

Duendeverde: Yoda

Harrison Ford: Han Solo

Viejo con barba y espada: Obi Wan

Mina con rodetes a los costados: Princesa Leia

Negro: Lando

Reptilgordo: Jabba

Peludo: Chewbacca

Ositos: Ewoks

Robot flaco y dorado: C3PO

Robotpetisito: R2D2

A partir de allí, Vicky interpretó, a su manera, con mucha pifia pero con aciertos increíbles, el universo de Star Wars....

Por Vicky Malena, para ¨Creo que ya no estamos en Kansas..."

Como bien relata el título de la saga, lapelícula narra la guerra entre las galaxias. Existen varias galaxias, todas ellasiguales de importantes, pero está, como debe ser, la galaxia de los buenos (lallamaremos Alfa) , y la de los malos (la llamaremos Beta) . En la de losbuenos viven Luke, Lando (el gracioso dela tropa), C3PO (que era humano, pero por una maldición de Yoda quedó hechorobot de oro, onda rey midas), R2D2 (este siempre fue robot pero quiso ser humano,y siempre le pregunta a su compañero de andanzas qué se siente poder caminar yno arrastrarse con rueditas como el), Jabba (este personaje no es nada impotante, casi niaparece) y obvio, Obi Wan. Este es elviejo sabio que tira frases sueltas que nunca ayudan en nada al héroe porquedespués se tiene que cagar a espadazos igual para ganar, pero le da al filmmucha mística.

En la de los malos (y vamos de menor a mayoren jerarquía) viven los Ewoks que parecen buenos y tiernos pero ni ahi, Chewbacca(que es el que se encarga de los trabajos sucios, del cual se aprovechan por sunotable falta de actividad neuronal), después viene Yoda que es como el duende brujo, mediooráculo, al que acuden para saber el destino de la galaxia, pero que a vecesfalla (obvio, si pudiera ver tan bien el futuro sería el mas capo), despuésestá el más malo de todos los malos: Darth Vader. El es malo, pero alguna vez fue bueno, solo que la ley de lasgalaxias dice que una vez que tomaste el camino equivocado, ya no hay tiempo devolver atrás. “Dejarás ese legado a tu descendencia” dice en una parte.

También está la princesa Leia, que salía conLuke, el más valiente guerrero de la galaxia Alfa y que por un malentedido enlos dichos del tonto pero comiquísimo Lando, ella cree que él no la quiere más.Decide asi irse a dar un paseo en nave por las galaxias, pero no cuenta con lavisión para el mal de Darth, quien después de una lucha de naves con muchofiuuuuuuuuuu pjtpjtpjt fiuuuuuuuuuuuuu (fiu=rayolaser) la termina secuestrando, y ahí se arma la guerra.

Han Solo aparece nada más enla primer película de la saga, y es la primera víctima de Darth Vader. Ahí nosalecciona acerca de su maldad. En su lecho de muerte, Han Solo le dice a Lukeque vengue su muerte, y ahí se le suma al pibe una razón para la lucha contra elmal (recordemos que además está secuestrada la princesa Leia)

El emperador no es bueno ni malo, essimplemente un ser que todo lo ve (como una especie de Dios) y que sabe lo queva a pasar, pero que también sabe que ese es el destino, a veces relata algoacerca de cómo eran las galaxias antes y después de esta cruda guerra, peroaparece solo al principio y al final.

La escena mas importante de la película es lafinal. En esta, Darth Vader le confiesa a Luke que él es su padre “Luke, yo soytu padre”, le dice, luego de una cruenta batalla en la que hieren a R2D2 ymatan a Chewbacca. Es asi, que Lukecomprende que el bien siempre conlleva algo del mal, y viceversa. Dicho asi,parece simple, pero hay que verla para comprender el contenido filosófico de lapelícula.

UN SANGUCHE DE MILA - Amigos con beneficios, con Mila Kunis y Justin Timberlake

2011-09-12T22:50:00.002-03:00

A veces, con un rico sándwich alcanza. Si no tenemos muchas expectativas, ni pretendemos nada nuevo, y la mayoría de los ingredientes están bien, no nos importa demasiado la preparación.

Amigos con Beneficios es uno de esos sándwiches. El director Will Gluck venía de entregarnos un gran plato: Easy A, una gran comedia en la que Emma Stone le rendía homenaje a las películas del genial John Hughes mientras contaba la historia de una chica condenada socialmente al punto de identificarse con la protagonista de La Letra Escarlata, de Nathaniel Hawthorne.

En Easy A había mucha preparación con los ingredientes que el director tenía a mano. Ante todo, un guión muy ajustado. Con Amigos con Beneficios, la cosa es algo diferente. Con un presupuesto cuatro veces más grande, los esfuerzos se enfocaron en aprovechar al máximo el carisma y la química de sus dos estrellas protagonistas: Justin Timberlake y Mila Kunis, Mila Kunis…

Los mejores ingredientes para un ¨sanguche¨ cinematográfico: chicos de moda, con carisma y talento. Los dos tuvieron un gran 2010, con trabajos muy elogiados (ella, por su cisne negro de El Cisne Negro… él, por su trabajo en Red Social). Todo dentro de una comedia romántica sobre unos jóvenes amigos exitosos en sus trabajos y que un día deciden tener sexo sin compromiso.

¿Lo mejor de la peli? Mila Kunis y su belleza absoluta. Lo mejor que nos dio Ucrania desde…. no sé… ¿Chéjov? ¿el inventor del helicóptero? ¿Shevchenko, aquel nueve que se cansó de hacer goles en el Milan?

Justin también está bastante querible y hay buena química entre ambos. Otro punto a favor es la autoconciencia con respecto al género, bien manejada de a ratos, con algunas reflexiones sobre las comedias románticas y su efecto sobre la psiquis femenina. Una mirada algo crítica, pero respetuosa del género.

Por otro lado, siempre es lindo disfrutar de Patricia Clarkson y Richard Jenkins, que hacen de los padres de los personajes principales. El tema es que estos padres vienen muy ¨cargados¨.

El punto más flojo justamente tiene que ver con eso. La explicación para la falta de compromiso de los dos jóvenes tiene que ver con lo mismo: disfuncionalidad familiar. ¿Será la única explicación? ¿O hay otras cosas que pueden derivaren la falta de compromiso y que hubieran sido interesantes para abordar?

Quizás esa mirada respetuosa sobre las comedias románticas no le permita a la película despegarse de ciertas convenciones.

Pero si en lugar de quedarnos viendo el programa de Majul, vamos a ver durante casi dos horas a Mila Kunis en la pantalla grande, acompañada por el querible Justin tampoco nos vamos a quejar o pedir demasiado. Sin chistar, nos sentamos y comemos nuestro sanguche de Mila.

Mi segunda película - MI PRIMERA BODA, DE ARIEL WINOGRAD

2011-09-03T16:10:00.001-03:00

En el cine hay algo así como un ¨síndrome de segunda película¨. Si un director se da a conocer por una gran ópera prima, para cuando realice su segunda película todas las miradas estarán posadas en él. En la gran mayoría de los casos, el director contará con un presupuesto más grande y, consecuentemente, con mayores presiones. O quizás haya conseguido la chapa suficiente para hacer algo más importante con la misma libertad. El público estará a la expectativa de lo que tenga el tipo para decir, intentará encontrar virtudes similares a las del film anterior y marcas de autor, pero atentos a la posibilidad de que el autor caiga en la mera repetición.

Podría empezar a enumerar casos interesantes de segundas películas de directores y cómo se ajustan a estas descripciones: desde Bielinsky y la complejidad de la costosa (y genial) El Aura luego de Nueve Reinas hasta Shyamalan con El Protegido después de Sexto Sentido. Pero la idea es hacer esta introducción para hablar de Mi Primera Boda, la segunda película de Ariel Winograd, que hace unos años nos regaló Cara de Queso, una gran comedia sobre las peripecias noventosas de un grupo de chicos en un country judío que oficiaba de Guetto condimentado con fuertes dosis de menemismo. Por favor vean el post de Sabri Osowski sobre aquella película.

Quizás exagere diciendo que Cara de Queso es una graaaan ópera prima. ¿Qué le quedan a El Ciudadano, Sin Aliento o Badlands? Bueno, es verdad. El tema es que a varios nos gustó mucho aquella comedia y el ejemplo sirve.

Definitivamente, Mi Primera Boda representa un gran desafío para Winograd: una producción mucho más importante, con la popular Natalia Oreiro en carteles que empapelan la ciudad, anticipando un estreno con muchas copias para lo que es el cine nacional.

Breve descripción: asistimos al casamiento de una joven pareja en una quinta. Adrián (Daniel Hendler) es judío no creyente y Leonora (Natalia Oreiro) católica poco creyente. Un pequeño problema crece poco a poco y pone en jaque el casamiento.

Tengo que confesar que el afiche con la frase ¨la comedia del año¨ me asustó bastante. Imaginé una caída, como la de Taratuto con ¿Quién dice que es fácil? o Un novio para mi mujer luego de No sos vos, soy yo.

El género también generaba dudas: una comedia de enredos en una fiesta de casamiento. La posibilidad de caer en los lugares comunes del grotesco más berreta estaba latente, y la multiplicidad de personajes complicaba la cosa aún más.

Pero esa era una de las mayores virtudes de Cara de Queso, la forma que aprovechaba a esos personajes, sin caer en el grotesco.

Evidentemente, había que confiar. Winograd superó la prueba que resultaba su segunda película. Más allá de que Mi Primera Boda no sea brillante, cuenta con muchísimas virtudes. Tiene un guión muy ajustado que, más allá de tener chistes excelentes, buenos y malos, cuenta con algo muy importante: dice algo. Demuestra muchas elecciones correctas. Por ejemplo, el hecho de que el villano interpretado por Imanol Arias sea un intelectual cínico resulta más interesante que el clásico garca de este tipo de historias.

La película está repleta de personajes y algunos funcionan muy bien: el disc jockey, el amigo de Adrián que se quiere levantar a una estudiante de cine, el cura y el rabino que debaten sobre religión mientras el remisero que los lleva al casamiento se preocupa porque el camino de tierra va a joderle la ¨máquina¨, el primo del protagonista interpretado por el genial Martín Piroyansky.

Entre los padres y abuelos de los novios, me quedo con la participación de Solita Silveyra antes que con lo de Gino Renni, Gabriela Acher o Pepe Soriano. Y hay varios cameos interesantes: Mora Furtado, Ricardo Mollo y Liniers.

Clemente Cancela (con look Jason Schwartzman) y Seba de Caro están impecables en su rol de secuaces del novio para ilustrar aquello del pogo en el casamiento, pásame más vino se vino la pachanga, etc..

¿Y qué hay de la pareja protagónica? Bueno, la dupla uruguaya no funciona tan aceitada como la delantera Forlán-Suárez, pero se la banca. Hendler está impecable, como siempre. Lo de Oreiro me llamó la atención. Está mucho mejor cuando su personaje estalla que cuando tiene que tener un tono más serio. Si nos remitimos a lo que dice y hace el personaje, no hay casi nada querible en Leonora. Pero, de alguna manera, ella consigue que no nos caiga del todo mal. No hay dudas, Oreiro y la pantalla de cine son amigas. Independientemente del personaje no querible, o de su actuación más bien irregular… hay algo a prueba de balas ahí. No se trata de su belleza, es carisma. Y lo vemos en las escenas menos serias: cuando, sin decir una palabra, encuentra la torta destrozada, o cuando se pelea con su amiga por el vestido. Y Winograd, que no es ningún boludo, aprovecha a su actriz y la filma desde todos los ángulos.

Todo esto para decir que me parece que, si bien no está a la altura de Cara de Queso, la segunda película de Ariel Winograd está muy bien y, lo más importante, no dejó de ser una película de Ariel Winograd por ser una película de TELEFE.

La revolución no será televisada... la veremos en el cine! - EL PLANETA DE LOS SIMIOS (R)EVOLUCIÓN

2011-08-23T23:54:00.000-03:00

You say you want a revolution
Well, you know
We all want to change the world
You tell me that it's evolution
Well, you know
We all want to change the world

Revolution (The Beatles)

En general, las películas pochocleras de vacaciones de invierno caen en lo mismo. De la enorme cantidad de recursos que ofrece el cine (guión, actuaciones, el aspecto visual, etc..), estas películas apelan a muy pocos. Casi siempre nos encontramos con una fórmula ya probada (una nueva incursión en el cine de algún superhéroe, una remake o secuela, etc...), protagonizada por actores de moda, y con muchísima espectacularidad visual. Las actuaciones, los guiones y los otros elementos quedan en segundo plano, y no cuentan con el foco necesario. A veces parecería que se subestima al espectador y se cree que con millones de dólares en efectos especiales, un par de nombres conocidos y un título importante alcanza.

Por suerte, en todos los inviernos nos encontramos con agradables sorpresas. Películas que son tanques, que tienen millones de dólares de efectos especiales, pero que no por eso dejan de aprovechar todas las posibilidades que el cine ofrece para contar una buena historia. Con las cosas como están... ¡casi que lo podemos considerar una pequeña revolución!

Una de esas sorpresas es la nueva versión de El Planeta de los Simios (R)evolución. Encaja en la descripción del "tanque de vacaciones de invierno" a la perfección. Una más en una exitosa saga, protagonizada por un actor en ascenso (James Franco) y con efefctos especiales a cargo de lso gigantes de Weta Digital (King Kong, El Señor de los Anillos, Avatar). Pero todo eso está apoyado sobre los cimientos más fuertes: un excelente guión, una maravillosa interpretación y muchas, pero muchas, ideas.

Más allá de que la cara "visible" de la película sea James Franco, la película está protagonizada por Andy Serkis, un actor al que le conocemos grandes interpretaciones pero pocos reconocen su rostro. Serkis es el "namber uán" en la técnica de motion capture, que consiste en un actor interpretando a una criatura que será creada digitalmente, pero que contará con su voz, sus gestos, su forma de moverse. Cientos de sensores de movimientos ubicados en un traje especial que usan los actores permiten a las computadoras captar todos los detalles de la interpretación de los actores, que luego serán utilizados al crear a la criatura digital. Algunos ejemplos son Gollum y King Kong (ambos interpretados por Serkis) o las criaturas azules de Avatar.

Todo esto para explicar que Andy Serkis interpreta (magníficamente) en esta película a César, un chimpancé que es rescatado al momento de nacer de una muerte segura por parte de Will (James Franco), un científico que experimenta en simios para encontrar una cura para el Alzheimer de su padre. Tras un accidente, su investigación es interrumpida y los simios sacrificados (incluída la madre de César). Todos salvo Cesar, que es adoptado por Will. A medida que el simio crece en la casa de Will y su padre, el científico descubre la impresionante inteligencia que desarrolla, producto de las sustancias que habían sido probadas en su madre embarazada.

Con un guión que tiene muy poco diálogo, pero muchos símbolos y situaciones que muestran perfectamente el conflicto y su desarrollo, nuestra atención es acaparada por la historia de una criatura que quiere ser libre, que quiere encontrar su verdadero hogar. Los temas de la película están muy presentes, pero no de manera explícita en el diálogo. No es necesario que se hable de esclavitud, de maltrato o de la libertad, para que todo eso esté presente.

La ventana desde la que César mira el mundo exterior tiene una forma muy particular, que ni el espectador ni César olvidan. Los planos secuencia que nos muestran la vida del simio en la casa de Will, o su crecimiento visitando los Redwoods californianos. Las escenas de cárcel que no tienen nada que envidiarle a las grandes películas carcelarias. Todo para destacar.

Muchas veces nos da igual en qué ciudades transcurren estas megaproducciones. Parecería que los productores eligieran la ciudad con el monumento más lindo para destruir… o Manhattan.

Pero en el caso de esta versión de El Planeta de Los Simios, la ciudad de San Francisco tiene un rol muy importante. No parece casualidad se haya elegido a la ciudad paradigmática de la lucha por los derechos civiles (el movimiento hippie, o la cruzada de Harvey Milk y la comunidad homosexual) para contar esta historia de liberación. Y no sólo eso. Su particular grografía permite que, por ejemplo, César pueda ver toda la ciudad desde su cárcel, al otro lado de la bahía.

El famoso puente Golden Gate es casi un personaje más de la película. Cruzar el puente significa la libertad. Y no sólo de forma simbólica: los simios lo tienen que atravesar para salir de la ciudad y llegar a los Redwoods, los famosos bosques que están del otro lado.

Y el puente no es sólo eso, también representa el salto evolutivo en estos simios superinteligentes, producto de la sustancia desarrollada por el laboratorio en el que trabaja Will.

Es más, también está utilizado de manera muy creativa al servicio de la acción: los simios se trepan a los tirantes, o avanzan colgados por debajo del puente. La utilización de esta construcción también permite que la policía pueda cercar el otro lado e intentar impedir el avance de la revolución. Y la niebla tan característica permite generar tensión en ese momento….

Y ahí nos damos cuenta que las locaciones no podían haber sido mejor utilizadas, en todo sentido.

Todo el jugo que se le saca al puente es un buen ejemplo de lo que sucede con esta película, que aprovecha cada elemento que tiene a mano para lograr la misión más difícil (según Godard): contar una historia, y encontrar una forma interesante de contarla.

Lecciones para confrontar: 12 HOMBRES EN PUGNA

2011-08-13T16:35:00.003-03:00

Hace poco escuché un par de definiciones sobre la confrontación...

Generalmente asociada a la pelea, esta palabra no tiene muy buen marketing, especialmente en este último tiempo. Sin embargo, si se va al significado real de la palabra, vemos que apela a "ponerse frente a algo o alguien", "cotejar una cosa con otra", es decir, apunta a ideas más parecidas a enfrentar algo o alguien más que a pelearse, enojarse o criticar.

En 12 Hombres en Pugna, este significado de la confrontación está más claro que en ninguna otra película. Ella nos muestra un jucio por asesinato, donde los que deben decidir si el acusado es culpable o inocente son los 12 hombres (civiles, comunes y corrientes... es de destacar que ninguno es llamado por su nombre) que integran el jurado.

La peli no muestra el juicio sino el debate de los 12 hombres para poder decidir.

El jurado entra en su sala e inmediatamente hacer un primer voto preliminar, sin discutir absolutamente nada sobre lo presentado por las partes en el juicio. El presidente del jurado llama a votar a mano alzada y 11 de ellos, sin vacilar, levantan su mano para declarar al presunto asesino (un chico de 18 años), culpable de todo crimen; para condenarlo, así a la silla eléctrica. Ante este escenario, lo más fácil sería sumarse a la mayoría y levantar la mano también... pero hay uno de ellos que no se acopla ni amilana, sino que se pone frente al problema y ante el resto que ha decidido, los confronta, con un voto a favor de "inocente".

Claro que el cuestionamiento y la confrontación cae mal al resto de los 11. Siempre hay uno contrera... Pero el jurado N° 8 no se hace problema por el qué dirán, sino que explica sus motivos y argumentos: Él no está seguro sobre la inocencia del chico, pero así como no está seguro sobre esto, tampoco está seguro sobre su culpabilidad, entonces... es justo levantar la mano para mandarlo a la silla eléctrica así nomás? o como jurado le deben un debate? No quiere convencer a nadie, no quiere imponer su verdad (no tiene una verdad definida), simplemente quiere debatirlo. Poner en duda para cotejar la información y las evidencias que mostraron en el juicio y, por sobre todas las cosas, lograr que cada uno de los jurados ponga sobre la mesa sus prejuicios, temas personales y demás cuestiones que puedan estar nublando semejante decisión.

Así, con el solo hecho de animarse a confrontar y no EVADIR el problema, un tipo solo... y bastante corajudo... da vuelta una historia. Solo por eso, la película vale mucho la pena.

Además de darnos una lección sobre el buen uso de la confrontación, 12 Hombres en Pugna es una lección sobre cine; especialmente por hacer uso de las cámaras y luces de forma magistral, aprovechando cada ángulo y lugar en un solo espacio, donde transcurre toda la película. Si se suma a esto las actuaciones de grosos como Henry Fonda y Lee J. Cobb, tenemos una joya para descubrir o para recordar cualquiera de estos días.

Cuando lo mejor de una película son las piernas de la protagonista… - LINTERNA VERDE

2011-08-12T02:01:00.000-03:00

Creo que las mejores piernas que vi en el cine son las de Angie Dickinson en Río Bravo. No estoy descubriendo nada, claro. Las mismísimas fotos que ilustran el rodaje ya daban cuenta de ello allá por los fines de los 50s.

No tengo dudas. Las gambas de Angie quedaron en la memoria de cualquiera que haya visto esa película. Pero con eso no alcanza. No basta con esas dos piernas que ni Miguel Ángel hubiera imaginado (ojo, también deberíamos considerar que el ideal de belleza renacentista pasaba por otro lado, así que le damos el beneficio de la duda a M.A.).

El tema es que Río Bravo es un peliculón. Primero reconocemos eso, y recién después vienen las piernas de la protagonista.

Lamentablemente, el caso de la recién estrenada Linterna Verde es diferente. Las piernas de Blake Lively son, lejos, lo mejor de una película tan light como representa el color del protagonista (cito a mi amigo Gusti, que me advirtió en un gran post de la poca fé que le tenía a este superhéroe).

Ni los ciento y pico de millones de dólares de efectos especiales, ni las presencias de Tim Robbins, Peter Sarsgaard o Geoffrey Rush, ni el carisma de Ryan Reynolds, probado en otras ocasiones… nada.

Solamente las piernas de Blake Lively.

Con un relato que alterna la solemnidad y la cuasi burla, conocemos la historia de Hal Jordan (Ryan Reynolds), un piloto de la fuerza aérea que, al heredar un anillo de un extraterrestre, se transforma en algo así especie de policía intergaláctico. Parece que el verde tiene que ver con la capacidad de superar el miedo, que es amarillo. Hay 3.600 linternas verdes, que conforman un cuerpo de policías que se nutren de la energía que emite la voluntad de todos los seres vivos del universo. Los linternas verdes viven en el planeta Oa, donde son aconsejados por un comité de 4 o 5 cabezones inmortales que se reparten el poder como Grondona y sus amigos en la AFA.

Claro que el mundo de los superhéroes está repleto de estas ridiculeces y arbitrariedades. No tenemos problema en tomarlas en serio cuando la película invita (Superman! Cuidado con la kriptonita azul francia, que es terrible!). En el caso de Linterna Verde, me resultó imposible. Ni siquiera me relajé como con Los 4 Fantásticos, que se hacían más cargo de su liviandad.

Creo que en esta peli presencié el apocalipsis menos atemorizante de la historia del cine. El villano Parallax, que se alimenta de miedo, se acerca a la ciudad. Lo que vemos es una mezcla entre el humo negro de Lost (multiplicado por mil) y esas nubes que se forman sobre el edificio al final de Cazafantasmas, con gente corriendo por todos lados. No se hace foco en ninguna víctima que podríamos lamentar. Tampoco corre peligro ningún personaje que la peli nos haya presentado antes. Mientras tanto, “la chica” mira todo desde la terraza de un edificio, alejada del peligro, con su vestido corto y tacos que resaltan sus admirables piernas. El héroe pone fuera de peligro a la población en cuestión de segundos. Apocalipsis Never.

Eso sí, después la cosa sigue en el espacio exterior, con un par de cositas interesantes (Linterna Verde le tira un satélite con un hondazo al humo negro… y no me acuerdo la otra cosa interesante).

Bueno, quizás me fui un poco de tema con los palos. Es más. Creo que sigo bancando a Ryan Reynolds, que de a ratos resulta simpático, cuando no frunce el ceño y se pone en salvador de la galaxia.

Río Bravo y las piernas de Angie Dickinson estarán siempre en mi videoteca, en el mejor formato disponible (hoy es BluRay), mientras que las piernas de Blake Lively se convertirán en una mera anécdota. ¿Linterna Verde? Será solamente parte de esa anécdota.

Al maestro Spielberg con cariño... y una gran película! - SUPER 8

2011-08-07T16:08:00.001-03:00

Advertencia: en estas líneas quizás haya contado un poco de más cuestiones importantes del argumento.

Cuando una película te gusta mucho, no siempre es fácil escribir sobre la misma. No sabés por dónde empezar, se te cruzan mil cosas por la cabeza y tratas de buscar un hilo conductor. Este es uno de esos casos, así que voy a hacer lo que pueda.

Al ver los avances de Super 8 por primera vez, me resultó imposible no asociarlos con aquellas películas con las que crecimos. Es más, escribí un post detallando la enorme cantidad de elementos del cine de Spielberg que estaban presentes en el trailer. Finalmente, me preguntaba si lo que iba a hacer JJ Abrams con Super 8 era una película o una mera suma de referencias.

Por suerte, sucedió lo primero. Super 8 es una película, una gran película. No es una acumulación de citas ajenas. Más allá de los elementos "visibles" que tiene en común con aquellas grandes películas como ET, Los Goonies, Encuentros Cercanos, Cuenta Conmigo, etc, hay algo que Super 8 comparte con éstas y que no es fácil de conseguir: es gran aventura, que está muy bien contada, y protagonizada por personajes bien desarrollados e interpretados, que logran conmovernos.

Abrams lo consigue. Homenajea al cine de Spielberg de la mejor manera. Quizás no con la maestría en el trabajo de cámara del director de Tiburón, pero sí con la capacidad narrativa que lo caracteriza. Los primeros 10 o 15 minutos de la película son increíbles en ese sentido: los personajes y la situación que están atravesando son presentados con una serie de recursos que sólo pueden encontrarse en el cine. El comienzo de la película, con el plano del cartel de la fábrica, es un ejemplo muy claro.

Los personajes están bien desarrollados, con sus particularidades y conflictos. El protagonista es Joe, un chico que perdió a su madre unos meses atrás. Su padre, ayudante del sheriff, le da muy poca bola, y Joe se refugia en sus amigos para hacer todo más llevadero. Y su refugio tiene una forma definida: es el encargado del maquillaje y los efectos especiales de una película de zombies (en formato Super 8, claro) que filma con su grupo de amigos. El equipo tiene un nuevo integrante, Alice (Elle Fanning, maravillosa), justamente la chica que le gusta a Joe, y de la que se enamorará perdidamente mientras hacen la primera escena en la que ella participa.

Y justamente ese es el momento en el que la aventura se dispara. Mientras filman de noche en una estación, un tren de carga militar descarrila provocando un accidente impresionante. La carga del tren se pierde, y varios elementos parecen indicar que se trata de un monstruo del espacio exterior.

Super 8 es una película sobre el amor al cine. De forma inocente, los chicos reflexionan acerca de este medio. Charles, el niño que dirige la película con aires autoritarios, plantea: “sería bueno que el protagonista tuviera una mujer, y que sepamos que se quieren, así nos importa si al final se mueren o no”. También destaca el concepto de “production value”: elementos que agreguen valor de producción y hagan más atractiva la historia.

Estas dos cuestiones que plantea el joven director de la película dentro de la película (que nos importen los personajes y los valores de producción) son justamente dos grandes fortalezas de Super 8. Los personajes generan empatía y realmente nos importa la resolución de los conflictos y el destino que les espera. Esto, en medio de una aventura con acción y efectos especiales tan característicos del cine de Hollywood. El ¨production value¨!

Más allá de la trama del monstruo suelto en el pueblito, los verdaderos temas de la película tienen que ver con la forma que tiene Joe de atravesar la pérdida de su madre y la nueva luz que se abre al enamorarse de Alice.

El resto de los personajes principales están en situaciones similares en lo que respecta a las circunstancias desfavorables. Tanto el padre de Joe, como Alice y el padre de ésta, así como el mismísimo monstruo (!), necesitan atravesar una situación adversa para finalmente encontrar la liberación. Quizás haya llamado la atención la mención del monstruo como un personaje con su propio desarrollo, pero así es. No son pocas las cosas que tiene en común con Joe.

Así, Super 8 se suma a la lista de películas que vimos y veremos mil veces, sin importar nuestra edad, el momento en que la agarramos en la tele, si la dan en inglés o doblada, y tantas cosas que no importan cuando se trata de una de esas películas que nos hacen realmente disfrutar del cine.

GULP, la película de stop motion más grande de la historia.

2011-08-07T10:49:00.003-03:00

Hace poco menos de un año, escribí un breve post sobre DOT, una película de stop motion (animación cuadro por cuadro) que estaba realizada con elementos diminutos. La protagonista era una muñeca de 9 milimetros.

El proyecto había sido una colaboración entre los estudios Aardman (maestros de la técnica de stop motion, famosos por Wallace & Gromit) y la gente de Nokia, que promocionaba el teléfono con el que se había filmado la película.

Ahora la dupla vuelve al ataque y se va al otro extremo. Juntos, realizaron la película de stop motion más grande de la historia.

En una playa de Gales, subieron teléfonos a una grúa que estaba a 36 metros, generando un plano que cubría 42 x 24 metros. La gente de Aardman, con la ayuda de estudiantes de arte que se ofrecieron como voluntarios, y artistas que se especializan en trabajo en la arena, crearon una serie de enormes dibujos en la arena vida a este maravilloso corto:

PARÍS NO IBA A SER NUNCA EL MISMO OTRA VEZ - Diálogo de libros y películas: Woody Allen vs Ernest Hemingway

2011-08-02T21:29:00.000-03:00

Por Matías Buttini, para "Creo que ya no estamos en Kansas..."

Compruebo al salir del cine que Woody Allen no ha perdido su sensibilidad. Incluso, me animo a decir, la ha recuperado y para ello ha tenido que ir a lo seguro y agregarle su genialidad habitual. Genio y sensibilidad no siempre coinciden.

¿A qué me refiero? Parto de un comentario escuchado, robado y plagiado a dos chicas sentadas en la butaca de adelante -¡gracias!-: "todas las chicas que aparecen son lindas". Exacto, si a eso posibilitado por un presupuesto jugoso le sumamos música de Cole Porter y el saber retratar una ciudad como París tantas veces musa de los escritores y artistas... tenemos un combo prácticamente irreprochable. Todos estos elementos, el genio los hace coincidir en su última película, "Midnight in Paris".

Desde "Match Point" encuentro un viraje. Lo sitúo en tiempo y espacio: el primero, va y viene en un relato fragmentado, no lineal, modo moderno de contar una historia al mismo tiempo subjetiva y universal cuyo mayor exponente es sin lugar a dudas el maestro González Iñarritu (Amores Perros, 21 gramos, Babel) aunque con un estilo poco comparable al de Woody. La pluralidad de las voces, la polifonía se distribuye en los personajes para narrar de un modo novedoso y absolutamente actual. El otro, el espacio, es un desplazamiento de Nueva York (ciudad de culto a la que se le rinde homenaje desde temprano en sus películas) a Londres, Barcelona y ahora, París. De EEUU a Europa. Movimiento que viene de la mano de un cambio aunque no en lo esencial.

Su artilugio es casi el mismo desde el inicio de su carrera de director-guionista (por eso en todas dice written and directed dos palabras que hablan de un trabajo, de un esfuerzo, tal vez de un estilo): escribír simples y cotidianas, tanto como neuróticas y vuelteras líneas de diálogo siempre con el mote de lo inolvidable. Es cierto que aquí hay una divisoria de aguas, por eso digo que es su estilo: o te gusta o no te gusta Woody Allen lo que tendría el mismo de peso del te gusta o no te gusta el mondongo. A mi me gusta, no hay duda, Woody Allen, no el mondongo.

Su método no cambia y su eficacia mejora con el tiempo. No puedo decir lo mismo de su carrera como actor. El desplazamiento es y no es. En "Match Point" deja de actuar para pasar a dirigir a sus actores en algo que es un enigma para mí: ¿logra como director que sean él, es decir, se los pide, o son los actores los que se adhieren al film y al estilo para quedar capturados por ese potente alter-ego? Gran problema que se puso en evidencia según mi propia sensibilidad en "Anything Else" (2003), donde Falk (Jason Biggs) y Amanda (Cristina Ricci) son Woody Allen. Se mueven, hablan, discuten, gesticulan y hasta piensan como él. En adelante el Allen actor se retirará de las pistas hasta "Scoop" (2006), que no me parece una gran película, al menos por venir a continuación de la aclamada "Match Point", valga la redundancia, punto de viraje, de no retorno, punto donde se define su nuevo partido como cineasta.

"Midnight in Paris" me produce algo similar ya presente en esa y otras películas anteriores: el tiempo y el espacio se mueven a su antojo, es decir, incluyen el azar y la contingencia, lo que en inglés se llama Chance, la chance que el personaje tiene de decidir hacia donde va aunque siempre esté sesgado por alguna idea. Aquí, esa idea directriz es simple y compleja a la vez: todo pasado fue mejor.

¿Clisé nostálgico o experiencia sensible?

Ambas confluyen en la queja de todos y cada uno de los personajes. No importa si se trata del moderno París 2010, del París de los años 20, de la Generation Perdué (la generación perdida tal como bautizó el mecánico al que le llevaba Gertrude Stein su auto y que se tornó estigma de una generación que precedió como Lost generation a la Beat generation a la Generation X) o de la Bélle epoque...

La queja persiste y se hace oír: el pasado es mejor, el presente por ser presente es aburrido y la tarea del escritor dice un epílogo sobre el final del film, es la de llenar ese hueco con su obra. Ese hueco que Woody Allen logra invadir con sus diálogos y sus historias, ya no de Nueva York sino de norteamericanos en Europa. Ese mismo hueco insistente e inllenable que una extraña voz torna imperativo alimentar en la cabeza de Gary Oldman en una vieja cinta (como dicen los abuelos) titulada "Romeo is bleeding". ¡Feed the hole, Jack! con evidentes resonancias literarias y musicales al Hit the Road Jack... Canción compuesta por Percy Mayfield dedicada a la novela que inaugura la Beat generation, "On the Road" de Jack Kerouac.

Vuelvo al diálogo. Me interesa ya que encuentro una conversación, una intertextualidad. La película, dialoga, aunque no esté dicho es explícito, con un fabuloso libro, "A moveable feast" publicada en castellano bajo el título "París era una fiesta".

En ese libro, un escritor y periodista del Toronto Star llamado Ernest Hemingway de apenas 20 años llega a París luego de que otro escritor se lo recomendara: Ernest, recién casado con su primer esposa, una chica bien llamada Elizabeth Hadley quien poseía algunas acciones de unos 3.000 dólares al año, deseoso de ir a probar suerte con su pluma en Europa, acepta la propuesta de Sherwood Anderson. "A Italia no -dice-, que sea París, el único lugar para un escritor" (Citado por Anthony Burgess en una biografía de Hemingway que recomiendo).

Esto se duplica en la película cuando Hemingway, escritor de renombre le recomienda a Gil (Owen Wilson) quien está a punto de casarse con Inez (Rachel Mc Adams) la chica bien, que se quede en París. Allí siempre hay fiestas y vida adecuada para un novel escritor.

La película reproduce de un modo muy fiel lo que en la novela se narra. Punto de Certeza: Woody leyó ese libro. No tengo ninguna duda. De pocos otros lados se podría extraer un retrato tan sensible y pertinente: Gertrude Stein, exiliada americana a quien Hemingway lleva un fragmento de novela para escuchar su opinión, tal como lo hace Gil en la película aconsejado por el escritor. Ella responde con el que dicen era su estilo, la respuesta original está en el libro: "demasiada descripción porque sí, demasiados adornos, comprime, concentra", le dijo a Hemingway. En la película es Kathy Bates la que no puede sino interpretarla a la perfección, es decir, con su propio estilo, y lanza: "demasiado realista" esta vez a Gil en presencia de Hemingway.

También acá y allá aparecen los Fitzgerald, Scott y Zelda. Hemingway retrata a esta última como mujer histriónica, un poco alcohólica e insatisfecha. Según Hemingway, en la novela y en la película, envidia a su marido el talento de escritor que ella no posee.

Una vez establecido éste diálogo mío con Woody Allen y con Hemingway que por cuestiones de tiempo y espacio no hemos llevado a cabo más que de un modo ficcional y extraño -Stranger than fiction- , transmito una incógnita que no logro resolver: Si Woody leyó el libro -mi loca intuición me lo ha dicho-, ¿por qué no incluyó la divertida conversación entre Hemingway y Scott Fitzgerald que fue básicamente escrito para él por el primero, gran e indiscutible héroe del diálogo?

El diálogo, habría que reproducirlo íntegro, parece largo pero es ágil, conservo el original en inglés:

- You know I never slept with anyone except Zelda.

- No, I didn´t.

- I thought I had told you.

- No. You told me a lot of things but not that.

- That is what I have to ask you about.

- Good. Go on.

- Zelda said that the way I was built I could never make any woman happy and that was what upset her originally. She said it was a matter of measurements. I have never felt the same since she said that and I have to know truly.

- Come out to the office, I said.

- Where is the office?

- Le water, I said.

Se puede uno imaginar cómo sigue. Hemingway, el macho, observa y tranquiliza a Scott Fitzgerald diciendoles que está bien dotado, que el problema es el punto de vista: si uno se mira desde arriba no es lo mismo que de perfil. Incluso le recomienda ir al Louvre y mirar las esculturas de desnudos.

Pero estas magistrales líneas de diálogo entre los famosos escritores no aparecen en la película. Lástima Woody. Reformo mi punto de vista: soy yo el que las incluyó en el momento donde, pensé, mejor podían ir. Me lo guardo. El otro problema es ¿porqué no aparece James Joyce presente en la novela y en sus diálogos? En fin, no seguiré este camino hoy.

Tengo que acordar en este punto con la nota publicada por Fito Mendonça Paz (Cuando una filmografía que está en coma da señales de vida- MEDIANOCHE EN PARIS de Woody Allen, publicada el 16 de julio) quien sostiene que es un forzamiento absoluto meter -encajar- a los surrealistas (Dalí, Buñuel y Man Ray) en escena. Ellos, efectivamente, no sólo no aparecen en el libro del que hablo sino que más allá de la divertida interpretación de Adrien Brody como Dalí y del guiño que permite pensar que el viajero del tiempo, Gil, le da una idea a Buñuel para su próxima-pasada película, no aportan nada a la construcción y ni al ritmo de la trama. El único aceptable, en estos términos, es Picasso quien abandona a Adriana (la hermosa y seductora Marion Cotillard, siguiendo lo que las chicas de la butaca me permitieron descubrir... sí, la fórmula era esa, chicas lindas, no una, todas y cada una de ellas) de la que se enamorará Gil y la causante, en cierto sentido, de la caída final en el truco ilusionista de la película. Ella decide que se quedará en la Bélle epoque (Feed the hole, Gil, sin la "u" que por contagio yanqui imaginamos, gil) con o sin el protagonista.

Es él entonces el que decide, es él quien destila la ideología que su personaje encarna. Si todo pasado es mejor, no hay época que logre contener ese mejor sin llevarlo al obvio contraste. Me vuelvo al presente y ya... a lo seguro. De aquí el título de mi nota, cita de Hemingway: "París nunca es o vuelve a ser el mismo"... aunque siempre sea usado de escenario perfecto para retratar, desde otra, la época actual.

Voten al más patético: ELECTION

2011-07-28T23:02:00.009-03:00

¿Es válido hablar de una película sobre elecciones durante la veda electoral? Estando en Bariloche, la veda no me toca... así que... acá va:

Election trata sobre las elecciones del centro de estudiantes de una escuela secundaria pública, en un pueblito de Estados Unidos. Tan simple como eso... tan complejo también. En el marco de una tragi-comedia la peli nos muestra las diversas motivaciones que existen en las personas para actuar de determinada manera o para hacer ciertas cosas. Por otra parte, no importa cuál sea la motivación y la intención... el resultado casi nunca es el esperado.

Los pasillos del colegio y las aulas más bien grises, son el escenario para un desfile de personajes a cual más patético y/o triste. En primer lugar, tentemos al profesor de Educación Cívica, interpretado por Mathew Broderick, totalmente distinto a su personaje canchero de Ferris Bueller. El profesor McAllister es un tipo de mediana edad, con un trabajo mediocre que le genera pocas emociones y cero motivación y desafíos; metido en un matrimonio que parece ser bastante aburrido y con una atracción sexual típica hacia una de las amigas divorciadas de su mujer. Una foto un poco trillada... puede ser...

Por otro lado, tenemos a Tracy Flick, una estudiante de promedio 10, insoportablemente perfeccionista, exigente con ella y con los demás, soberbia y con altas metas. Tracy piensa que, el resto de los mortales (especialmente los de su escuela) no tienen ni las capacidades ni los grandes sueños que ella tiene. Son todos mediocres. Interpretada por Reese Witherspoon, quien está muuuuy lejos de la belleza y vestuario de la chica de Legalmente Rubia. De cualquier manera, su actuación en esta película, sobrepasa cualquier glamour agregado en otras pelis.

En un segundo plano tenemos un triángulo amoroso poco ortodoxo, compuesto por el mariscal de campo de futbol del colegio... un nabo que solo hace lo que le dice el resto; su novia mandona y la hermana del nabo, rara, honesta (la única en toda la película) y enamorada de la novia de su hermano.

Los personajes protagonizan las elecciones del colegio que pasan a convertirse la excusa para que cada uno de ellos cometa un error, lastime a alguien, traicione y hagademás bajezas nacidas a partir de diferentes motivaciones.

El profesor odia a su alumna perfectita, odia también su vida mediocre y su falta de objetivos... lo que termina motivándolo para hacer fraude en las minúsculas elecciones mencionadas. Tracy se siente superior al resto y no soporta el fracaso, lo que la motiva a cometer un acto de vandalismo, contrario a su tan valorada ética y buenos modales. El nabo del colegio no tiene aspiración alguna y solo lo motiva el falso afecto del alumnado. Sin saber qué hacer al no poder jugar fútbol por una lesión, es motivado por su novia para presentarse como otro de los candidatos a las elecciones. Por su parte, la motivación de la novia en cuestión, no es ayudar a su novio, sino vengarse de su ex novia... la hermana del nabo (un poco complicado, lo sé). La hermana del muchacho es casi la única que se sincera con el resto de las personas; es clara y explícita en sus motivaciones. Pero eso no quita que esas motivaciones sean sanas ni que dejen de ser egoístas.

Lo que me lleva a preguntarme si existen motivaciones no egoístas. Quizás sí... pero seguro que esta película no las muestra.

Una comedia con algo trágico de fondo, distinta al resto y para ver varias veces. Pick Flick!! y elijan esta película para cualquier domingo medio deprimente. Les aseguro que al ver Election se van a sentir mejor con ustedes mismos.

De actores y sobreactores: Robin Willliams vs. Jim Carrey

2011-07-21T17:13:00.006-03:00

Hoy 21 de julio cumple años Robin Williams. Pienso que debe ser difícil no haber visto ninguna película donde él actúe. Intuyo también que, haciendo un sondeo, debe haber un porcentaje mayor de personas que disfrutan de su actuación que de aquellos a quienes no les gusta.

Es más común escuchar: qué actorazo que es ese tipo... cómo me hace reír... por sobre: es demasiado exagerado; no le quedan bien los papeles dramáticos.

Esto último lo escuchamos mucho más seguido acerca de Jim Carrey seguramente. Si bien el tipo junta a millones de espectadores en los cines cada vez que estrena una película, la mayoría manifiesta que no le gusta su estilo por ser sobreactuado, exagerado, basado en mímicas o en simplemente en hacer caras raras. También vas a escuchar que los papeles dramáticos no le calzan y que el público se aburre en las pelis dramáticas que lo tienen como protagonista.

Entonces tenemos dos dimensiones para evaluar a estos dos actores tradicionalmente ubicados dentro de los cómicos: por una parte están sus estilos a la hora de hacer comedia y por el otro su aptitud o no para interpretar papeles dramáticos.

A la hora de hacer comedia, cada uno tiene su forma clara y definida. El estilo del querido Robin podría definirse como una imitación de estereotipos. Por ejemplo, no imita a Oprah sino a una clásica anfitriona y conductora de talk-shows que podría ser desde ella hasta la mismísima y local Moria. Un recuerdo que me viene a la memoria es la interpretación del Genio de Aladdin haciendo de azafata... simplemente genial (valga la redundancia). ¿Es que acaso son todas iguales? No sé, pero esta actor logra extraer los rasgos característicos de cada tipo de personalidad, profesión o lo que sea, para crear un personaje genérico que, en mi opinión, genera el efecto buscado: la risa.

En Jim, por su parte, no creo podamos encontrar estereotipos, sino exageraciones. Acá creo que todos coincidimos, el tema es decidir si eso nos hace reír o no. Su actuación, no exagera a alguien o a un tipo de persona, profesión o personalidad; sino que el hombre crea un personaje propio con caras, expresiones, frases y tonos que son solo suyas. Los ejemplos que se me ocurren son aquellos que lo hicieron más conocido como The Mask y Ace Ventura. No vale incluir acá la imitación de Tony Cliffton de Man on The Moon ya que esta última pertenece a más al género dramático. Lo valorable de este estilo es que el comediante crea algo casi nuevo... claro que uno reconoce los elementos del personaje pero, al fin y al cabo, éste es una creación propia. El ejemplo más loable (nuevamente) en mi opinión, es El Grinch. Uno pudo haber leído el libro y fantaseado sobre cómo sería el personaje principal pero nunca imaginaría que Jim Carrey lo personificara tan bien!

La elección de uno por sobre otro estilo es definida por el tipo de cómico que a cada uno le gusta.... así de simple. No obstante, no creo ni que el Sr. Williams ni el Sr. Carrey se hagan problema por un par de críticos, si tienen en cuenta el éxito en las taquillas cada vez que se lanza una peli con su nombre.

De cualquier manera, en lo que a comedia se trata, creo que, si el tipo te hace reír... qué importa como lo logra!

Ahora bien, si de drama hablamos, ahí ya no tengo tan claro qué es lo que uno espera que te generen ese tipo de pelis y, en este caso, este tipo de actores. Tienen que emocionarte? hacerte llorar? deben ser creíbles (ya habló de esto nuestra amiga Vicky hace poco en otro post)? No estoy segura.

Lo que puedo decir, desde un nivel personal, es que Jim Carrey me llega más que Robin Williams en los dramas. Mientras este último se acerca y a veces cruza la línea de la tolerancia de lo meloso y cursi, Jim Carrey te hace sentir muy dentro tuyo algún tipo de angustia o al menos la sensación de que su personaje no la pasa bien tampoco.

En esta línea me quedo con el Joel de Eterno resplandor... que con el bonachón de Patch Adams. Ya lo dijo Fito en algún otro artículo, un momento clásico para recordar y llorar es cuando el protagonista de The Truman Show, se da cuenta que el horizonte que él veía se trataba, en realidad, de una pared pintada como el cielo. Si esa interpretación no te llega...

Por el contrario, en películas tan buenas como Despertares, la actuación de Robin Williams no terminan de acompañar el clima que genera la peli misma. En lugar de un médico retraído y tímido, vemos a un tipo que está al borde del ataque de melosidad. Es eso! Lamentablemente, creo que él se torna meloso, tierno y adorable cuando debería transmitir dramatismo. Ojo! todavía no estoy segura si es su interpretación o el tipo de papeles que elgie que le exigen sea así.

Como dije antes, cada uno deberá elegir entre sus predilectos. Ambos nos decepcionarán cuando interpreten un papel que no les va o lo hagan mal; pero estarán (supongo) perdonados de antemano, al menos de mi parte, por las siguientes:

Mrs. Doubtfier
Mork y Mindy
Mentiroso, Mentiroso
El Grinch

y tantas otras...

CATALINA DLUGI ¿EL MAYOR FLAGELO DEL GRUPO CLARÍN?

2011-07-19T00:39:00.001-03:00

Blugui, Gugui, Dugui, Buggy… nadie sabe bien como se pronuncia correctamente.

De la misma manera, nadie sabe bien por qué esta señora nos comenta los estrenos de cine todos los jueves desde la época en que Mónica y César ni se conocían.

Mi amiga Vicky la define como una de esas viejas que se gasta un dineral en teatros de la Avenida Corrientes, o bien en el San Martín, que aplaude cuando Alcón aparece en escena, por más que la obra haya empezado hace 45 minutos. Y si actúa Norma Aleandro, no le importa si la obra es una adaptación de Antígona escrita por Miguel Angel Cherutti. Catalina va estar ahí, esperando con sus amigas cholulas a los actores a la salida del teatro, envueltas en tapados de piel que desafían al calentamiento global.

Mientras escuchamos los comentarios que hace sobre alguna película y vemos imágenes de la peli en cuestión, no podemos dejar de sospechar que está leyendo la parte de atrás de la cajita del VHS: ¨Una comedia para toda la familia¨, ¨Un thriller que no da respiro¨, ¨Un canto a la vida¨, ¨una divertida comedia romántica, donde la batalla de los sexos, le abre paso al amor¨, ¨Para los amantes del género¨. La señora recomienda por segmento etario. Terrible.

¨Y para los más chiquitos...¨ Parece que pensara que los niños son estúpidos. Festeja los guiños para adultos en las películas para chicos y nos habla de mensajes: ¨Una película para reflexionar en familia¨

Creo que lo que más detesto de ella es su cholulismo. Es preocupante. Voy a tratar de ilustrarlo con un ejemplo:

Si Alfred Hitchcock, a más de 30 años de su muerte, saliera un día de su tumba, se presentara ante el mundo como un muerto vivo, y se dispusiera a filmar una nueva película, y anunciaría que en esa película fuera a actuar Angelina Jolie… Catalina Dlugi presentaría la nota sobre ¨la nueva película de Angelina Jolie¨.

Como le gusta la boludez a Catalina. Cuando se tiende una alfombra roja sobre algún suelo, ella estará allí, estoica, para decir pavadas como ¨cuanto glamour¨, ¨una noche mágica¨,¨ahí vienen los famosos¨. Sus entrevistas en inglés generan solamente vergüenza ajena en cada uno de los espectadores que lamentan no haber cambiado las pilas de sus controles remotos.

Y no es poca la gente que se indigna con Catalina. Googleando para buscar una foto para el post, encontré, entre otros ejemplos, un grupo de Facebook del estilo “yo también odio a Catalina Dlugi”, una chica que hace una maravillosa imitación en YouTube y un post aún más agresivo que este, en el que el autor desearía que a la crítica de Telenoche ¨la aplaste un camión que transporta celuloide (ella masacra al cine, el cine la masacra a ella), como una especie de justicia poética o una ironía del destino¨.

Así estamos. Y si no hacemos nada, la cosa va a seguir. Es por eso que hago desde este humilde lugar un llamado al gobierno nacional para que intervenga las señales televisivas del Grupo Clarín y destituya a esta señora del trono de pavadas y cholulismo en el que se encuentra sentada desde hace décadas.

Cuando una filmografía que está en coma da señales de vida - MEDIANOCHE EN PARÍS, DE WOODY ALLEN

2011-07-16T13:00:00.000-03:00

Es raro. Creo que nunca escribí en el blog sobre Woody Allen. Es un director que me gusta mucho. Creo que vi cada una de sus cuarenta y tantas películas, y muchas de ellas decenas de veces.

Quizás la razón por la que no escribí nunca de Woody acá es porque me gustan solamente un par de sus últimas 15 películas.

Desde Los Secretos de Harry, en 1997, creo que el tipo no hizo grandes películas. Un par me gustaron: Dulce y Melancólico, Que la cosa funcione. La mayoría fueron pavadas (Scoop, La maldición del Escorpión de Jade, entre otras) o desastres como Match Point.

Creo que está claro que nada iguala esa racha desde mediados de los 70s hasta 1986, plagada de obras maestras: Amor y Muerte, Annie Hall, Manhattan, Zelig, Broadway Danny Rose, La Rosa Púrpura del Cairo, Hannah y sus Hermanas. Metió otro doblete unos años más tarde, con Crímenes y Pecados y Maridos y Esposas. Y después otra buena racha con Disparos sobre Broadway, Poderosa Afrodita, Todos dicen te quiero y la mencionada Secretos de Harry.

Toda esta mega presentación para hablar de Medianoche en Paris, su última película. Una nueva escala en Europa, luego de Londres y Barcelona, y antes de la próxima, en Milán.

No creo que sea una gran película, pero la sumo tranquilamente al puñado de buenas películas de sus últimos 15 años de carrera.

Voy a tratar de resumir el argumento, aunque me da bastante fiaca.

Gil es un escritor de guiones de cine, pero su sueño es terminar su primera novela. Está de viaje en Paris junto a su novia Inez y sus suegros. Gil se enamora de Paris y le propone a Inez radicarse allí una vez casados, idea que le parece una boludeaz a ella, más acostumbrada a California. En sus caminatas nocturnas en busca de inspiración, Gil es transportado a la Paris de la década del 20, donde conoce a Hemingway, Cole Porter y decenas de artistas. Allí encuentra también a Ariana, una parisina de esa época de la que se enamora perdidamente.

La pregunta que plantea Woody es si la nostalgia es negación. La respuesta, al final de la película.

Sorprendentemente, a esta altura de su carrera, Woody consigue uno de sus mejores alter egos en pantalla. El personaje de Owen Wilson agrupa las mejores características de la personalidad de Woody: intelectual, pero ante todo apasionado, romántico y nostálgico. Y en Gil no vamos a encontrar el costado hipocondríaco, hiperneurótico, obsesivo, etc... Entonces, lo que nos queda es el costado más adorable de Woody, que aparte es interpretado de manera excelente por el Owen Wilson, que lo hace más adorable aún.

Y si seguimos con todo lo adorable, tenemos que nombrar cuanto antes a Marion Cotillard, que enamora no sólo a una decena de personajes en la peli (Gil, Picasso, Hemingway, Modgliani, Braque, entre otros), sino también a cada uno de los que la disfrutamos desde nuestra humilde butaca en el Hoyts Abasto.

Woody se pone como objetivo que nos enamoremos de Paris. Y creo que el clima generado con estos personajes, la música y una infinidad de planos de diferentes recovecos de la ciudad, lo consigue durante la mayor parte. Ojo, hay decenas de directores que retrataron Paris con mejores resultados. Sin ir más lejos, Brad Bird en Ratatouille. Y yendo más lejos, Leos Carax con Los Amantes de Pont Neuf o Godard en Sin Aliento.

Yendo a las cosas que no me convencieron, creo que es despareja la sucesión de escenas en las que Gil se encuentra con artistas reconocidos. Con algunos la cosa funciona muy bien, pero todo se diluye bastante cuando se pone más "guiño guiño" con la referencia fácil (el fragmento con Dalí y Buñuel, por ejemplo).

Tampoco me convence la caricaturización de Inez y sus padres. Pura ignorancia y esnobismo, demasiado contraste con el personaje de Owen, que es un romántico y soñador amante de la literatura. Ella no tiene que ser ignorante, caprichosa y snob para mostrar que hay un abismo entre ellos. La incapacidad para sentir empatía con su futuro marido alcanza y sobra.

En resumen, más allá de que quizás Woody Allen no deje de convertirse en una versión más floja de sí mismo, y nunca vuelva a hacer una obra maestra, es importante destacar que todavía está en condiciones de hacer buenas películas y que no todo es lo mismo. Medianoche en Paris es un buen ejemplo.

The horror! The horror! - CARS 2, DE PIXAR

2011-07-13T00:19:00.003-03:00

La otra tarde fui al supermercado. Se me había quemado la lamparita del velador.

Busqué en la góndola y era imposible encontrar la bombita de siempre. Me crucé a un empleado del supermercado y le pregunté. Me dijo que las bombitas clásicas no se hacen más, que ahora solo venden las de bajo consumo. Entonces compré lo que había.

Llego a casa y… el horror. La luz que emite la bombita de bajo consumo es absolutamente horrible. Blanca, ni siquiera pálida. Sin ningún tipo de calidez.

Hoy, recién salido de ver Cars 2, me pregunto si alguien le puso una bombita de bajo consumo a la famosa lámpara del logo de los estudios Pixar.

Conozco a muchos que creen que las elecciones del domingo fueron una catástrofe. Otros lamentan el descenso de River. Estoy tratando de pensar una analogía para lo que me sucedió al enfrentarme a la primera película definitivamente mala en los 25 años de historia de Pixar.

Es como ir a misa todas las semanas y que un domingo el cura te cierre la puerta en la cara, diciéndote que Dios no existe. Eso.

No me alcanzan las palabras para pegarle a Cars 2.

A lo largo de su historia, Pixar nos presentó un amplio surtido de películas, que fueron desde buenas (las excepciones) hasta brillantes (la mayoría). Más allá del nivel de cada una, siempre mostraron un punto de vista, genuina emoción, personajes memorables y decenas de etcéteras…

La segunda parte de Cars no tiene alma. Su pseudo homenaje a las películas de espías es prácticamente nulo. Un claro ejemplo es una escena larguísima (la presentación de una carrera) que transcurre en un salón que no dice nada y la brevísima aparición de un casino, un lugar que podría ser mucho mejor aprovechado para jugar a los espías.

Los escenarios, por más maravillosos que sean, nunca llegan a ganar protagonismo (quizás es París la mejor aprovechada, pero son sólo unos minutos).

Ni siquiera puedo vislumbrar cosas o ideas que quedaron a medio camino. La película hace agua desde su mismísima concepción. Los dos o tres elementos que podrían considerarse ideas en cuanto a lo narrativo, están usados burdamente y en momentos o situaciones inadecuadas.

Y no es que no le puse ganas. Salimos del cine y nos sentamos durante un largo rato con mi amigo Manu, buscando cosas para rescatar. Por más que escarbáramos, no encontramos ni una pepita de oro.

Todavía no puedo creer que Pixar haya hecho una película mala. Supongo que algún día iba a pasar. Solo resta esperar a la próxima y confiar.

Un pequeño calmante para tanto dolor. Parece muy prometedor el teaser trailer de Brave, la película que van a estrenar el año que viene. Copio el video abajo.

Así que empezamos de nuevo. Como dice Crónica, faltan 365 días para el verano.

CUANDO EL CINE ES UN ESPEJO - Cara de Queso y mi infancia judaica

2011-07-11T09:30:00.000-03:00

Por Sabri Osowski, para "Creo que ya no estamos en Kansas..."

Suele sucederle al espectador que, al ver una peli, se sienta interpelado por algún elemento; que se identifique con gestos de un personaje, con alguna situación retratada; que recuerde algún suceso de su vida o incluso que pueda pensar en ellos desde una nueva perspectiva. Lo que no es para nada habitual es toparse con una película que te explique casi por completo, que cuente con personajes familiares, que el margen de error con respecto a tu vida sea mínimo. A mí me pasó. Y esa peli es Cara de queso (2006), de Ariel Winograd.

La peli retrata la vida en un country, siendo al mismo tiempo un semblante del judaísmo vernáculo en su versión noventoso- menemista.

El tagline del film es “mi primer ghetto”, imaginamos, entonces que no será benevolente con el conglomerado de moishes reunido en El Venado (ese es el nombre real del country al que tanto Winograd como yo hemos asistido, en la peli se llama El Ciervo). Y no, no es benevolente pero es justa. Un análisis exacto de aquellas cosas de la crianza en esos ámbitos que a muchos nos ha asegurado un pasaje sin escalas a un diván psicoanalítico: lo berreta, lo tilingo, Miami, las camisetas de Menem 1995 y sus derivados como Hard Rock, Planet Hollywood, “before Eilat- after Eilat”, el deber de relacionarse con iguales so pena de traicionar a los que vagaron 40 años por el desierto o los que han sido liquidados en una cámara de gas.

Pero la peli también es justa en retratar aquellas cosas adorables, las que hacen a mi amiga Vicky desear haber sido judía: los knishes, el burako, las palabras en yiddish.

En fin, standing ovation para Ariel Winograd y su Cara de queso. Y a aprovechar y verla, moishes y goim, que la están pasando en Incaa TV.

INCREÍBLE MATA "CREÍBLE" - Golpe de estado al concepto de "credibilidad" en la actuación

2011-07-10T12:49:00.000-03:00

Por Vicky Malena, para "Creo que ya no estamos en Kansas..."

Hace algún tiempo, escribí para este blog una dura crítica (ah, si, yo soy implacable) a algunos actores de aquí y allá. Un tiempo después y ya mas amigada con la vida (no así con el mundo) me pareció oportuno contar que es lo que si me gusta cuando veo a un actor hacer su magia (Dios mediante)

Si ud. cree que voy a hablar de la paparruchada de que un actor sea “creíble” (juajuajua ay, boludo agarrame que me caigo de la risa) es porque vio demasiado a Catalina Gummie y necesita la ayuda de un profesional. No creo de ningún modo que creíble pueda ser un término que deba ser relacionado con la actuación, de hecho no existe procedimiento más mentiroso y trucado jamás, y más aun en el teatro. De hecho, si usted ha llegado a creerse alguna película u obra que vio, le sugiero que arme un bolsito con lo mas necesario y se dirija al hospital borda (eso sí, lleve mucho abrigo).

Lo bueno de la actuación es que no tiene que dar cuenta de nada, que se sostiene en si misma y que compone nada mas que un punto de vista.

Usted, si es macrista, dirá “ahhh, pero cuanta libertad, así después toman las escuelas de la ciudad de Buenosh Airesh” y yo le daré la razón (en lo de la libertad, no en lo de las escuelas). Sucede que el arte, por ser libre, no siempre puede ser arbitrario, y es bueno y sano, que se sostenga en si mismo o en la referencia.

Esto es, no hace falta que cuando digan “pasame el mate Mabel” haya un nivel profundo de verdad en como lo dice el actor, porque el solo hecho de decir “pasame el mate, Mabel” ya nos refiere a un signo y comprendemos que se nos esta queriendo informar, y allí es donde se encuentra la verdad del hecho. Una vez que esa referencia esta asentada, y hay un mundo que puedo palpar, entones ahí puede aparecer la "Stairway to heaven". Un mundo que nos conecta con lo inexistente o con lo no tan coherente de manera mágica, en la que sabiendo que hay un apoyo referencial, se toma la decisión de dar un salto estético.

En las actuaciones esto suele darse, cuando uno ve a un personaje enmarcado en un contexto donde todo va sobre ruedas, y de repente realiza alguna pequeña acción que no se condice con el personaje desde la lógica, pero nos abre otro mundo (tal vez muy mínimo, eh?) que no sospechábamos. Y no digo narrativamente, si no expresivamente que nos remite a otra cosa, que nos sorprende.

Creo, en este punto que un muy buen ejemplo podría ser Johnny Depp. Es un tipo arriesgado expresivamente, pero no es un loco. Es teatral, porque crea mundos extracotidianos desde su manera de actuar, y uno no se plantea si le cree o no, porque desde ya que no le cree, solamente se queda fascinado como un niño que ve salir una paloma de una galera, pero también como un adulto que entiende cual es la referencia, el signo.

En fin, no sé si he sido clara, pero si no lo he sido, le pido que no me lo haga notar, ya que soy un ser muy sensible.

Reflexiones teñidas de alcohol sobre un superhéroe muy light - LINTERNA VERDE

2011-07-09T16:40:00.002-03:00

Hace unos días, le pregunté a mi amigo Gusti Vera Valinotti cuáles eran sus expectativas sobre la película de Linterna Verde, próxima a estrenarse en Argentina.

Gusti empezó diciendome que Linterna Verde era un super héroe al que respetaba muy poco. No hacía falta escuchar más. Le pedí que me ampliara la idea en unas líneas, para el blog.

Así, me encontré con el siguiente mail en la madrugada de este 9 de Julio:

Para tu blog, sobre Green Lantern...

Sin dudas un super heroe singular, no tan solo por sus super atributos sino también por su fijación en un punto específico sobre una escala cromática.

Sus atributos fueron concedidos por un orden superior, The Guardians of the Universe, para dar respuesta a los problemas endógenos de una sociedad desesperanzadamente enferma, que pese a su infinito potencial no consigue más que hacer cagadas.

Elegido, pese a no postularse como candidato, por cuestionar el orden social desde su praxis pero no desde su filosofía y por simpático y bohemio, diferente. Se le otorga el anillo de poder. Bijou tal que con solo calzarla en el anular (o índice dependiendo de la moda que autorice el estilo), esgrimida al viento, con puño cerrado, materealiza cualquier objeto sea necesario para lograr la proeza indicada para el problema de turno. Un poder que seria facilmente arrebatado en el Ferrocarril Sarmiento al salir de Once mucho, pero mucho antes de llegar a Haedo.

En cuanto a su fijación por el color estandarte de los productos light, y a su aversión patológica hacia el amarillo, bueno, no hubieron declaraciones oficiales, ni tácitas ni mucho menos explicitas, solo hay rumores temerosos, de que hubo una vez un psicólogo en la calle Vidt, del cual hoy por hoy se desconoce su paradero, que basandose en la teoría del color y en el psicoanálisis clásico, dedujo que siendo azul y amarillo colores primarios y siendo verde producto de la combinación de estos dos, esta fobia al amarillo deviene de una brutal represión, no al amarillo, sino al perverso deseo de querer ser lima-limón.

Estoy demasiado borracho como para seguir escribiendo, pero si te gustó, lo podemos corregir, reescribir o utilizar como ejemplo de como el cerebro es atrofiado por el exceso de bebida.

abrazo amigazo

La escena que más... transmite la congoja: Padre e hijo se despiden (Kramer vs. Kramer)

2011-06-22T02:10:00.006-03:00

Existen miles de escenas de despedidas en el cine. En general son despedidas de grandes amores y dentro de estas hay genialidades como Casablanca o Lo que el viento se llevó pero también existen otra gran variedad, especialmente dentro de los dramas románticos, que están cargados de obviedades, lugares comunes y muuuucho llanto. También hay de las buenas y malas escenas de despedidas entre amigos o entre padres e hijos. Una que siempre me conmueve dentro de estas últimas es la de La fuerza del cariño (Terms of Endearment), en la que una madre con una enfermedad terminal se despide de sus tres hijos.

Sin embargo, cualquiera de esas escenas tiene algún que otro diálogo, alguna frase donde los protagonistas expresan lo que están sintiendo o lo que quieren transmitirle al otro (y al espectador también). Válido como es el uso del lenguaje oral, en el cine existen otros recursos que, usados adecuadamente, pueden llegar a transmitir mucho más que cualquier palabra.

Esta escena en particular puede llegar a quebrar hasta el más duro de corazón, si es que se mira con un mínimo de dedicación:

En Kramer vs. Kramer (1979), una mujer de familia (Meryl Streep), agobiada por no tener un lugar en su propio hogar o por no encontrarse a si misma, se va de la casa dejando a su marido Ted (Dustin Hoffman) y su hijo de 5 años Billy. A partir de entonces, estos dos hombres... uno de ellos en potencia... deben aprender a vivir solos, lidiando con el abandono de la mujer de la casa, con los problemas cotidianos y con algún que otro acontecimiento externo que dificulta todo.

Ted debe aprender a equilibrar el trabajo con el hogar, sin dejar de lado la responsabilidad de sostener la economía familiar. Billy tiene que reconocer una nueva autoridad, hasta ahora bastante ausente, extrañando a su vez a su mamá.

De a poco, ambos van construyendo esta nueva vida, una nueva dinámica, forma de relacionarse. Ponen sus propias reglas para poder convivir de la mejor manera posible sin una de las partes de la familia y padre e hijo empiezan a encontrarse por primera vez. Así, transcurre casi un año en este nuevo formato de familia. Sin embargo, después de todo este tiempo, de un momento a otro, la madre vuelve a aparecer reclamando la tenencia de Billy. Luego de que la pareja atraviesa un doloroso juicio, el juez le da a ella la tenencia a ella.

La escena en cuestión transcurre durante la última mañana que pasarán padre e hijo juntos en su casa como antes. Billy está claramente deprimido y Ted también pero juntos van preparando el desayuno sin decir una sola palabra. En ese silencio a este chiquito de no más e 5 años se le empiezan a caer las lágrimas. Es el llanto más real que vi en mi vida... es más, casi no es un llanto, sino más bien congoja. De esa que uno la siente como presión en el pecho, cerradura de estómago y congestión en los ojos. Esa congoja que cuesta sacar afuera. Las lágrimas son sutiles pero Ted lo ve y lo consuela, también, sutilmente, sin dramatismos ni evasiones, ni palabras. Mientras tanto, siguen preparando las tostadas para el desayuno... hay que seguir adelante.

La manera en la que se transmite aquella congoja es increíblemente real y, si uno no llega a conmoverse ni un poquito con ella, debería revisar el cerramiento de su corazón,porque esta imagen de despedida entre padre e hijo es infalible a la hora de conmover en serio.

LA MÁQUINA DEL CINE - Amateur, de Néstor Frenkel

2011-06-12T00:46:00.001-03:00

“Y acá aparece el director, o sea yo... como Hitchcock, que aparecía en sus películas”

Jorge Mario es un odontólogo de Concordia. También es un director cine amateur en formato super 8. Cuenta con una extensa filmografía que incluye spaguetti westerns y películas de espionaje. Y no sólo eso: Jorge Mario tiene un programa de radio, es filatelista, fundador de un grupo de boy scouts, practicante de tiro, y varias cosas más. No será Hitchcock, pero cuando lo escuchamos hablar sobre sus películas, transmite tanta o más pasión que el “maestro del suspense”.

Jorge Mario es el protagonista de Amateur, el fascinante nuevo documental de Néstor Frenkel (Plata Segura, Construcción de una ciudad, Buscando a Reynols).

Los primeros diez minutos de la película nos muestran un compilado de filmaciones familiares en formato super 8. Una voz en off hace una minuciosa deconstrucción de la relación de la gente con este formato, el primero que llevó al gran publico la posibilidad de registrar imágenes y sonido en movimiento. De filmar, bah.

Así, el cine llegó a casa y miles de padres de familia se convirtieron en cineastas amateurs, lidiando con la luz, el foco, el sonido de ambiente. Los actores? los amigos y la familia. Locaciones? La costa atlántica, el club, la casa de la abuela, etc..

Mientras vemos las imágenes, el narrador nos cuenta que al principio la gente se quedaba quieta frente a la cámara, como si se tratara de una foto. De ahí el pedido del que filmaba para que el que está frente a la cámara haga cualquier monería: “Saludá! Movete! Hacé algo”.

Con el correr de los años, estos cineastas se fueron familiarizando con el medio, al punto que muchos empezaron a hacer sus propias películas de ficción, de forma amateur.

La película de Frenkel nos presenta a Jorge Mario, un apasionado cineasta superochista de Concordia, Entre Ríos. Su obra maestra es Winchester Martín (así, con acento en la í), un spaguetti western de venganza. Jorge Mario nos cuenta que su pasión por el cine nació cuando era muy pequeño. Hacia 1950, el cineasta Jacques Torneur llegó con todo su equipo a Concordia a filmar The Way of the Gaucho. El asombro y la fascinación del pequeño Jorge sigue siendo la misma, cuando nos muestra sus recortes, el archivo en el que registra absolutamente todas las películas que vio en su vida, o su programa de radio (el obituario para Gary Coleman es maravilloso).

Y eso no es todo. Jorge Mario no se duerme en los laureles. Ahora, casi 40 años más tarde, lo encontramos preparando la remake de la Winchester Martín original. El actor de la original está viejo y gordo y el sueño de Jorge Mario es tener a Pablo Rago en el papel de Winchester Martín. “Y ahora los títulos los puedo hacer en computadora”, dice entusiasmado.

Jorge es un personaje entrañable, un Ed Wood de las pampas con la capacidad para generar y compartir decenas de actividadaes y hobbies que tenía Max Fischer, el personaje principal de Rushmore (aunque sin el elemento HoldenCaulfieldesco).

Más allá de lo divertido que resulta ver y escuchar a Jorge Mario, es importante destacar que Frenkel no se burla en ningún momento de su protagonista, sino que nos lo presenta tal cual es, una máquina de hacer, llena de optimismo y entusiasmo.

Amateur es una gran película, absolutamente recomendable para cualquiera que disfrute de ver tanta pasión en el cine, a uno y otro lado de la cámara.

Vayan a verla... la están dando los domingos en el Malba...

El trailer de Amateur

Volcanes enfurecidos en Hollywood

2011-06-06T12:45:00.003-03:00

Parte de la magia de Hollywood consiste en lograr que un evento extraordinario pero real (o al menos verosímil) sea distorsionado (y no lo digo en forma peyorativa) por la creatividad de los guionistas y directores. Entre estos eventos extraordinarios, podemos ver en la gran pantalla, naufragios, tormentas y demás catástrofes de la naturaleza que afectan al hombre.

Ya hemos hecho nuestra defensa del llamado cine catástrofe pero, dadas las circunstancias vividas por estos días en nuestra Patagonia, vale la pena recordar algunas de las distorsiones más simpáticas mostradas en las películas sobre volcanes.

Un clásico del cine catástrofe en general y que no es ajeno a las de volcanes es la distorsión en la belleza de los que viven el momento de la erupción y sus consecuencias. No es que yo esté al tanto de todo lo que pasa en mi ciudad pero, hasta el momento, no he visto ningún galán mezcla de científico y profeta como aparenta ser Pierce Brosnan en Dante's Peak: La furia de la Monaña.

Como en otras películas del estilo, el pueblo que oficia de escenario para el fenómeno natural, nunca está al tanto de lo que está por pasar o es demasiado incrédulo. En general, es algún buenmozote o divinura curvilínea foráneo quien traerá "la posta" en relación a los pronósticos geológicos. Claro que este venido de afuera deberá encontrar un aliado local para que la advertencia no caiga en saco roto. El resultado es obvio: profeta y aliado vivirán una historia de amor regada por la fertilidad de las cenizas volcánicas.

Si bien no suele clasificárselos como los bellos de Hollywood, algo similar viven Ane Heche y Tommy Lee Jones en Volcano.

Otra de las distorsiones clásicas son los momentos drásticos. A qué nos referimos con esto. Se trata de aquellos fenómenos que suceden o mejor dicho, nacen, se reproducen y mueren en cuestión de minutos. El volcán hace erupción y la lava va cubriendo todo a su alrededor en cuestión de segundos, un temblor avisa que el volcán está por estallar, una nube de cenizas se acerca y cubre absolutamente todo en solo unos minutos, etc. Esto, obviamente, obliga a los pobres pueblerinos incrédulos a ver ante sus ojos lo que el foráneo había predicho. Ante semejantes sucesos drásticos, debe haber siempre alguna multitud que salga corriendo desesperada hacia una misma dirección empujándose y dejando a algún niño llorando perdido en medio de la calle. Pero ¿cómo se soluciona esto si se trata de un pueblo chico con población dispersa? Fácil: están todos reunidos en un mismo lugar en una asamblea que fue convocada por el tema al que hace referencia la película. Otra opción, una sala de cine... claro.

Finalmente, otra de las distorsiones clásicas son las soluciones casi ridículas frente a lo inevitable que impone la naturaleza. La lava arrasa con todo a su alrededor, pero Tommy Lee y equipo tratan de frenar su avance con bolsas de arena. Pierce Brosnan, Linda Hamilton y flia suben a un botecito para cruzar la laguna, el botecito comienza a ser carcomido por los ácidos que esparció el volcán y arrasa con la ropa y piernas de la abuelita de la flia que se tira a la laguna para salvar a todos. Pero ojo! ese ácido no logra siquiera poner en riesgo la mano de Pierce que rema para que el bote avance y está cubierta por una simple camisa! Simplemente, genial.

Solo estoy pasando por mi primera experiencia cercana a un volcán en actividad pero, hasta el momento no vi hordas de gente gritando y corriendo, ni muchachitos galanes salvando la ciudad ni soluciones inverosímiles ante problemas naturales. Eso se lo dejamos a Hollywood.

Eso sí... la foto es REAL.

FELIZ CUMPLE, RUBIA! - Los 85 de Marilyn Monroe

2011-06-02T02:39:00.000-03:00

La maravillosa Marilyn Monroe hubiera cumplido hoy 85 años. En realidad me refiero a ayer, el 1ero de junio (ya estamos en la madrugada del 2 desde hace un par de horas).

Es difícil imaginarla viejita. Hacer ese ejercicio no es tán fácil. No es cuestión de sumarle maridos y cirugías. Quizás se hubiera alejado de todo y encontrado tranquilidad recluída, transformándose en una abuelita simpática y relajada. Parece que es lo que hubiera querido.... ¡quién sabe!

¿Y por qué digo maravillosa? Creo que es imposible no sentirlo, pero tampoco sé cuan fácil es explicarlo.

A mí me alcanzó con una sola película para entender lo que significa Marilyn Monroe.

Antes de verla en pantalla, no entendía bien la cosa. Claro que su imagen era un ícono, conocía sus fotos más famosas, sabía que había muerto joven, aquello de JFK y algunas cosas más.

En ese momento, no entendía cuan acertados eran los títulos de sus películas. No cualquier mujer es la "tentación" de La tentación vive arriba, la "rubia" de Los caballeros las prefieren rubias, o la "Eva" de Una Eva y dos Adanes.

Hasta que un día finalmente alquilé Una Eva y dos Adanes (Some Like it Hot), de Billy Wilder. La primera aparición de Sugar (así se llamaba su personaje) me hizo entender todo: la cosa no pasaba por datos o cuestiones que se puedan medir o analizar fríamente. El magnetismo que genera Marilyn en una película no tiene comparación con nada.

Tiene algo hipnótico. Su imagen trasciende la pantalla. No se trata solamente de su belleza. Tampoco del hecho de haber sido quizás el primer sex symbol global. O su carisma. Quizás esa vulnerabilidad que percibíamos detrás de la confianza de sus personajes.

Por suerte hizo varias películas geniales, empezando por Una Eva.. y The Misfits. Por suerte, tipos de la talla de Howard Hawks, John Huston o Billy Wilder supieron apreciarla mientras pudieron...

Ojo. Marilyn no era una boluda, para nada. En general, sus personajes eran bastante superficiales. Pero sus cartas, poemas y notas personales, muestran que no solamente era una apasionada de la literatura, sino que también nos permiten ver que era una mina despierta, curiosa, capaz de expresar sus pensamientos y sensaciones con absoluta lucidez. Es verdad que no hay nada más fácil y conveniente para una rubia tarada (hola Luca) que quiere aparentar "intelectualidad" que dejarse sacar una foto con el Ulises de Joyce. Marilyn se sacó la foto, pero también lo leyó y estudió. Arthur Miller puede (podía hasta hace unos años) dar fé.

Lo cierto es que, a medida que uno entiende y puede apreciar todo lo que genera Marilyn, resulta más fácil entender la tristeza que generó su caída en la depresión y su muerte tan horrible y prematura.

Nos queda volver a agarrar Una Eva y dos Adanes, The Misfits y aquel puñado de excusas para verla a ella... la rubia, la tentación...

SOY TU FAN... O TE ESTOY AFANANDO? - Super 8 y el cine de Spielberg

2011-05-30T20:29:00.001-03:00

Hace unas semanas empezó a circular el trailer de Super 8, el tercer largometraje de JJ Abrams, el creador de Lost. El tipo ya había hecho un par de películas: Misión Imposible 3 (floja, pero tampoco tan mala) y Star Trek (una muy grata sorpresa).

La cosa es que este JJ (no me imagino que el "jota jota" venga de Juan José) mantuvo en secreto cualquier detalle de su nueva película, con el sólo objetivo de generar la mayor expectativa posible. Todo muy misterioso, bien al estilo de Lost.

Finalmente, hace unas semanas, pudimos ver el trailer de Super 8, y efectivamente hubo algo que le llamó muchísimo la atención a mucha gente. La película está dirigida por Abrams y producida por Steven Spielberg, pero los avances tienen tantos elementos del cine de este último que hacen que parezca que estamos frente a una típica película del Spielberg de hace 30 años.

Creo que nunca me pasó de ver en el pequeño avance de una película tantos elementos característicos del cine de otro director.

Copio primero el avance y después paso a detallar algunos de los elementos "Spielbergeanos" que veo:

Super 8. En el trailer, un grupo de niños hacen películas caseras en Super 8. Es un dato muy conocido que durante su infancia en Phoenix, Spielberg se la pasaba filmando sus propias películas en ese formato.

Elliott. Al ver al pequeño protagonista, resulta imposbile evitar la comparación con Elliott, el niño de ET. En aquella película, también teníamos a un joven curioso que recorría su pueblo en bicicleta. En ET, Elliott lidiaba con el divorcio de sus padres. Acá, parece haber perdido a su madre. La ausencia de los padres es un tema recurrente en casi toda la cinematografía de Spielberg.

El interior de Estados Unidos. ELa película está ambientada en la década del 70, en un clásico pueblo rural, plagado de la más típica iconografía norteamericana. Un pueblo como el de cualquier película de Spielberg de los 70s, como el de Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, o como cada uno de los que atravesaban los protagonistas de Sugarland Express, con las infaltables banderitas triangulares que denotan el dealer de autos usados.

El monstruo y el sheriff. Una criatura extraña amenaza un pueblo tranquilo. Se suceden las víctimas y un sheriff asume la responsabilidad. Pasaba en Tiburón y pasa en Super 8. En este caso, la inscripción de "Área 51" del tren que descarrila indica que el monstruo sería extreterrestre. Ni vale la pena mencionar la relación del cine de Spielberg con todo lo que son "encuentros con seres de otro planeta". Hay para todos los gustos en lo que a argumentos y simbología se refiere.

Los militares tienen la palabra. Cuando de extraterrestres se trata, los militares no tardan nada en intervenir y hacer propio el asunto. Las imágenes del convoy militar llegando al pueblo y los soldados tomando el control frente a la policía recuerdan a obras como ET, Encuentros Cercanos o La Guerra de Los Mundos.

Y tantas otras cosas. El plano del chico mirando la luz cegadora en el cielo remite directamente a ET o Encuentros Cercanos. La música con esos "chimes" también nos trasladan a Spielberg y su magia. Hasta hay un plano de unos niños jugando en la mesa que recuerda al juego inocente del hijo de Brody en Tiburón. Las bicis y las linternas de ET....y ni hablar de la chica rubia de ojos claros, algunos centímetros más alta que el protagonista...

Como hincha de Spielberg, las imágenes me pueden... pero todavía no alcanzo a ver si se trata de una mera copia o si estamos frente a un homenaje con méritos propios... veremos!

Solo se necesita una mujer brutalmente asesinada - SCREAM 4

2011-05-15T12:59:00.005-03:00

Por Luanda Fernandes

Si para Jean-Luc Godard solo se necesita de una mujer y un arma para hacerse una película (regla asumidamente adoptada por Quentin Tarantino), para Wes Craven todo lo que necesitás es de una mujer brutalmente asesinada por un arma. Ello sería suficiente para identificar este último con Hitchcock.

Como queda claro en Scream 4 (2011), Wes Craven es más un heredero de Hitchcock que de Godard, no solamente por las bellas rubias asesinadas a golpes de cuchillo, sino también por los varios personajes que reciben los nombres de creaciones o incluso de actores (en este caso, Anthony Perkins puede ser considerado también como un personaje) hitchcockianos, tales como Marnie (Brittany Robertson) o Rebecca (Alison Brie). La saga de Wes Craven nació clásica y contracultural a la vez. Rescataba reglas del género, pero reflexionaba alrededor de ellas para, por fin, subvertirlas. La principal subversión es la inclusión de un autor más a la masacre. En esta cuarta secuela, el director sigue reflexionando, subvirtiendo e incluyendo nuevas demandas contemporáneas: el uso masivo de las nuevas tecnologías, el show del yo proporcionado por la Internet y la fuerte influencia de los debates de género.

Las victimas fatales todavía son las mujeres – no se puede traicionar al maestro en lo que refiere al poder cinematográfico de lindas rubias brutalmente asesinadas. Pero ahora las rubias discuten sobre el pastiche en la postmodernidad. Si Leyenda Urbana (película que vino en la senda del pionero Scream) había avanzado sobre esta cuestión al poner a una mujer como autora de los crímenes, Scream 4 va más allá: las víctimas, las asesinas y el policía son todas mujeres. A los hombres les toca ser manipulados. Incluso lo que éstos podrían reivindicar – el conocimiento – se vuelve ahora atributo del personaje femenino. En un momento, Kirby (Hayden Panettiere) provoca al personaje cinéfilo y después al mismo asesino con su envidiable dominio de los detalles de las películas de terror. Los gay también reivindican el derecho a sobrevivir – algo que solía ser reservado exclusivamente a las morochas virginales -. Nuevos tiempos, nuevos roles sociales, nuevas reglas.

Contracultural también en lo que toca a la banalización de la dimensión psicológica de sus asesinos, luego de que, en las secuelas producidas en los años 80, la cultura intentara adentrar la psiquis de monstruos que antes eran simples máquinas de matar, como Freddy Krueger o Michael Myers. El primero, en una secuela reciente, justifica sus actos con la venganza a la sanción sufrida por sus actos pasados de pedofilia (Pesadilla en la calle Elm, estrenado el año pasado). El segundo desarrolla su psicopatía en la niñez marcada por el abandono de su madre prostituta (película del 2007). En Scream 4, los asesinatos se justifican por el espectáculo, para recordarnos que aunque Hitchcock delineaba un argumento psicoanalítico para que entendiéramos a Norman Bates, el mayor legado del maestro del suspense para los slasher movies es: todo lo que necesitás para hacer una película es de una bella rubia brutalmente asesinada. Éste es el mayor espectáculo en tiempos pre y post-internet.

Final feliz o comienzo problemático: Las películas con bebés

2011-05-01T18:36:00.009-03:00

Las fórmulas son varias pero no hay dudas que en estas películas habrá enredos, peripecias, gags, una escena con un pañal asqueroso, algún momento de ternura y seguro... un final feliz.

Dentro de este sub-género encontramos aquellas en las que el bebé es el comienzo de la historia y otras donde solo forma parte del final feliz.

En las primeras, el niño llegará siempre de forma inesperada a la vida de unos primerizos o, peor aún, a la vida de alguien que no buscaba un bebito dentro de su vida. Claro que este o estos personajes serán, a primera vista, los menos adecuados para criar un niño: un soltero mujeriego... o tres!!! en el caso de Tres Hombres y un Bebé, un tipo desaliñeado y sin nigún tipo de orden en su vida, como Adam Sandler en Un Papá Genial (está bien, el niño ya tenía 5 años... pero vale igual creo), un gruñón solitario como en Kolya; una mujer perfeccionista, adicta a su trabajo y sin experiencia alguna en el rubro, como Diane Keataon en Baby Boom (creo que se tradujo Quién llamó a la Cigueña acá) o la recién estrenada Bajo el mismo techo (Life as we know it), donde casi se combinan todas las opciones, un tipo mujeriego y desaliñeado con una mujer perfeccionista y dedicada al trabajo.

Hay un sub-sub-género que son aquellas donde hay una mega tragedia en la que hay una pareja feliz pero la madre muere, dejando al padre solo con el niño. El hombre entrará en crisis, depresión, etc. El público amagará con irse de la sala del cine, hasta que gracias a la acción de la red de apoyo del tipo (madre, padre, amigos, etc.) él reaccionará, haciéndose cargo del niño. Ejemplos: Sarah y Papá Soltero (Jersey Girl)

Sea como sea, en general, ante la llegada sorpresiva del niño o bebé, los personajes adultos rechazarán el desafío de primera mano y buscarán otra alternativa para su crianza. No están preparados y no les corresponde la tarea entonces llaman al servicio social, a un hogar de huérfanos o lo que sea para desligarse del bodoque. El niño en esta instancia deberá ser enternecedoramente insoportable. Los llantos y berrinches estarán pero siempre van a terminar con algo lindo (una risita, una sonrisa, un balbuceo, etc.). Los padres postizos todavía no se conmueven, el público empatiza con los protagonistas pero igual se enternecen con el chiquito.

Las peripecias seguirán un tiempito hasta que los adultos inexpertos van encontrando cierto orden y rutina para lidiar con el nuevo intruso de sus vidas. Seguramente no sean las soluciones más ortodoxas pero seguro son divertidas. Ejemplo: uno de los de Tres Hombres y un Bebé leyendo la reseña de una pelea de box para que la bebita se duerma, Adam Sandler disfrazándose de buzo para que el chico se bañe.

Un poco más calmados con esta rutina, los adultos encontrarán algo de paz para observar mejor al niño y ver que en realidad no es tan insoportable como parecía al principio y que incluso puede ser tierno. Seguramente haya una escena clave donde esto se explicite, para después pasar al momento de conflicto donde aquella institución a la que habían pedido ayuda (o la madre biológica) vuelven a aparecer. Pero ahora las cosas han cambiado, ya no quieren deshacerse de él ni nada por el estilo, todo lo contrario... y ahí vendrá la escena desgarradora. Final feliz? Seguro! Si el niño se queda con los protagonistas, está todo bien. Caso ocurra lo contario, el niño será feliz y los adultos habrán aprendido una buena lección. De cualquier manera, en este tipo de películas, el bebé es sí o sí un comienzo problemático.

En la otra fórmula, lo que llega inesperdamente es el embarazo. Acá tenemos la opción de ver la relación que da origen al estado de la protagonista o la fecundación en celuloide, como el caso de Mira Quién Habla o Nocked Up (Ligeramente Embarazada). También se nos introduce el tema al mostrarnos cómo la chica regurgita en reiteradas ocasiones, momento en el que ella asociará ese hecho inmediatamente a aquella relación de sexo no seguro ocurrida unas semanas atrás. Otra forma de plantear el asunto es a través de la escena de la prueba de embarazo y acá tengo que felicitar a Juno por el chiste en el que la protagonista se hace el 5to test con el mismo resultado... positivo... y empieza a agitar la varita de test, a lo que el kioskero le dice "es una prueba de embarazo, no un termómetro, no se va agitándola".

Como sea, la peli nos muestra que hay una chica embarazada y que no lo estaba esperando... Ante esto, tiene que necesariamente venir el momento en el que ella le avisa a la contraparte sobre la situación. Las reacciones masculinas son varias y en general incluyen un accidente, chiste o gag. En 9 Meses, Hugh Grant choca en la ruta, en Nocked Up ella le dice que está embarazada a lo que él pregunta: ¿embarazada con emociones?

Esta situación no deja de lado el romance, todo lo contrario! Se ve que, para los guionistas, no hay mejor momento para enamorarse que durante la gestación.Puede que la pareja esté bien formada y que, a raíz del embarazo entren en crisis pero seguro que, transcurridos los 9 meses, estarán más enamorados que antes. Tal vez no haya pareja sino un compañero de un encuentro casual pero eso no les impedirá probar armar una familia feliz... total, es una comedia... qué puede salir mal? La última opción es que la chica embarazada se enganche con un tercero que nada tuvo que ver con la situación pero que encaja perfecto en esta nueva vida. El ejemplo emblemático: Mira Quién Habla.

Los meses transcurrirán y la chica y su pareja se irán haciendo la idea de que esto no es tan malo como parece. El momento del viaje al hospital y parto son la parte preferida de los guionistas de comedias. Corridas en autos más peligrosas que las de Arma Mortal 4, gritos exasperantes y algún médico torpe son la combinación perfecta a la hora de parir, según ellos. El problema que había existido en un principio se termina con el nacimiento del bebé que, obviamente, traerá un final feliz para padres y público.

Está bien... estamos ante varias fórmulas repetidas pero eso no quita que elija este sub-género un domingo a la tarde en cable.

EL GANADOR: cómo superar una historia ya contada

2011-04-23T12:33:00.014-03:00

La fórmula no es nueva. Un hombre tiene que enfrentarse a obstáculos de diferente índole para superarlos, superarse y de paso aprender una lección importante antes de que termine la película. Nunca faltan las voces consejeras de un coach, entrenador o similar, ni tampoco una compañera que esté con él y lo apoye siempre.

Entonces ¿por qué me tentaría ver El Ganador (The Fighter)? ¿Qué tiene de distinto al resto?

No creo que tenga que ver, necesariamente, con el hecho de estar basada en un hecho real Ya también hemos visto de esas. Creo que El Ganador se diferencia por la suma de las pequeñas decisiones que los que la hicieron tomaron, para relatar una historia de ESTA manera en particular y no de otra.

Si uno la mira de cerca, puede ver que hay varios detalles que están en función de la forma de contar algo.

La película nos muestra una parte de la vida del boxeador Micky Ward (Mark Wahlberg), de su medio hermano Dickie Eklund (Christian Bale), la de su familia y la de Charleene (Amy Adams), la mujer que ayuda a cambiar un poco su vida. Suena un poco mezclado? puede ser... Creo que es la intención de la película darnos un cuadro no muy ordenado de los roles que cada uno cumple en esa red semi familiar para ir despejándonos el panorama, a medida que avanza la peli, para dejarnos al descubierto al más oculto de todos: Micky.

Este muchacho un poco entrado en años, según los parámetros del deporte, es uno más de los 11 hijos de una familia bastante particular y desordenada. La peli se encarga de mostrarlo en un segundo lugar respecto de su hermano mayor, Dickie; un ex boxeador que tuvo un momento de gloria, inflado de forma bastante fantasiosa por su familia para después devenir en un adicto al crack que simula ocupar su tiempo en entrenar a Micky.

La peli empieza con escenas de un documental, que está siendo filmado en ese momento, sobre la vida de Dickie en torno a su supuesto regreso al ring. En estas escenas, Dickie va caminando por las calles de su barrio, saludando a todos los vecinos, haciéndose un poco el canchero, contando sus hazañas pasadas. La cámara lo sigue y en un momento él invita a su hermano Micky, que está trabajando en el asfalto, a unirse a la escena y así aprovecha para contar que fue él quien enseñó todo lo que hoy el menor sabe sobre box. Micky se muestra tímido al principio pero después se prende en la joda de su hermano y terminan ambos en una simpática representación de su camaradería.

Con esta simple escena, el Director (David O. Russell) nos muestra dos o tres cosas sobre los personajes y la historia, sin explicitar demasiado: En primer lugar, la parte del documental nos da a entender que estamos ante una historia basada en hechos reales. En segundo lugar, Dickie aparece como el protagonista pero nos adelanta que en realidad la historia del héroe va a tratar más bien sobre Micky, quien está ahora en otro orden de prioridades, en el cuadro. También nos da un primer pantallazo sobre la personalidad de cada uno (uno más simulado y montado sobre su propio personaje y otro más real, con los pies en la tierra... o el asfalto) y el vínculo difícil que hay entre ellos y el resto de los cercanos. Así, la escena nos adelanta un poco la batalla que seguramente tendrá que dar cada uno en esta parte de sus vidas.

De ahí en adelante, la película va guiando la historia, con un relato sutil. Si bien tenemos que reconocer que hay clichés propios de este sub-género de superación, la sutileza pasa por otro lado. No importa si ya sabemos o prevemos como van a desenvolverse las situaciones, tampoco si nos imaginamos el papel que van a cumplir ciertos personajes. Con pequeños detalles El Ganador nos va metiendo en la historia a pesar de estos aspectos un poco trillados y logra que pongamos el foco en la riqueza que tiene esta biografía familiar aparentemente mezclada. Así, de a poco, empecemos a ver la historia desde los ojos de Micky, sin forzarnos de una manera obvia o violenta.

En este cuento hay muchas cosas mezcladas y desordenadas. Desde los lazos familiares, hasta las versiones de un mismo hecho. No hay nada que se muestre de UNA sola forma. No hay buenos o malos absolutos en las familias y ésta no es una excepción. No hay villanos ni héroes totales. Esa realidad es cruda y tierna a la vez... y creo que el Director eligió contarlo a través de la historia de Micky por ser él aquel que tiene la mirada más cercana a la realidad, con todo lo bueno y malo que hay en ella. O por lo menos, es quien va abriendo los ojos en primer lugar, haciendo que cambie la perspectiva de todos alrededor.

No importa si esta historia es parecida a otras... acá hay otra forma de contarla.

Al igual que Micky, Mark Wahlberg y esta película fueron un poco ignorados en la premiación de los Oscar, si bien estuvieron nominados. Les recomiendo que no la ignoren y le den una oportunidad un día de estos.

10 razones para volver a ver LA NOVICIA REBELDE

2011-04-11T22:20:00.003-03:00

Una película para ver y volver a ver mil veces. Entretenida de principio a fin. Apta y recomendable para cualquier edad. Una lección de música y de vida (ya se viene a mi mente Climb every mountain)
Acá van solo 10, ustedes seguro pueden encontrar otras razones más para volver a ver La Novicia Rebelde:

Para ganarle a la vergüenza que puede generar cantar a viva voz una canción que recuerda nuestra infancia.
Para aprovechar la comodidad del hogar y correr los muebles para bailar y dar una vueltita, imitando a María cuando está en la montaña.
Para darse cuenta que el yodeling puede NO ser insoportable, necesariamente.
Para escuchar una vez más Do Re Mi.
Para pensar otra vez: y si me uniera a un coro?
Para volver a sentir como puede ser la traición de un amor a los 16 años (casi 17).
Para quedar varias horas después cantando y tarareando las canciones de esta gran peli
Para recordar que puede haber películas que traten temas jodidos a través de un musical pero con respeto y altura.
Para pasar un domingo de otoño agradable.
Para animarnos el espíritu un día triste.

Dedicado a los fanáticos, a los que todavía no lo son y a todos los que no estén pasando por su mejor momento:

EL DISCURSO DEL REY: Una de esas películas... correctas para ver con los padres

2011-04-05T18:21:00.005-03:00

Estimados jóvenes: Si hace mucho no le prestan atención o brindan un momento a sus queridos progenitores o si ya no comparten demasiado como para sostener una conversación de más de 20 minutos sin discutir, los invito a que los inviten a ver esta correcta película inglesa.

Así, es... en mi humilde opinión, El Discurso del Rey es una película por sobre todas las cosas correcta. Una historia correcta, donde una persona ayuda a otra a superar varios traumas, otro que logra vencer los obstáculos que le impedían realizarse de manera más plena y una mujer que acompaña incondicionalmente. Ambientada de la manera correcta para llevarnos a la época donde sucedían los eventos. Una puesta en escena e iluminación tan correctas que generan casi claustrofobia en los espacios abiertos y libertad en los espacios cerrados. Integrados por la música correcta.

Sin embargo, casi nada de esto es verdaderamente extraordinario...

Podría decirse que el trío de actuaciones se destaca por sobre la mera corrección. Es cierto. Pero no sé si es suficiente.

Quizás sea una de esas pelis malditas por el premio de la Academia. Uno de esos casos en los que si uno viera la película sin saber que fue la ganadora del Oscar a la mejor del año, le gustaría más que sin saberlo. Por mi parte, la vi antes de la premiación y tampoco me dejó realmente impactada o con la sensación de que fuera a quedar en mi memoria por mucho tiempo.

En la misma línea de pelis para ver con los padres; es decir correctas, con una historia sin demasiada polémica, sin escenas incómodas, etc., debo decir que La Reina me gustó más. Quizás sea así de simple como "me gustó más" ó "no me gustó tanto"... tal vez no haya tanta explicación para entender por qué El Discurso del Rey no me fascinó.

De cualquier manera, es para tenerla en cuenta cuando uno de tus viejos te pida que le recomiendes cuál de todos los estrenos puede ir a ver o cuando les pinte ver una película juntos.

DESIGUALDAD DE GÉNERO

2011-03-22T22:59:00.000-03:00

En general, me incomoda bastante bastante cuando la gente directamente deja de lado un género. Me hacen ruido afirmaciones como ¨No me gustan las de acción”, “no veo musicales” o “la ciencia ficción me aburre”.

Tampoco me parecen demasiado confiables expresiones como “me encantan las de terror” como si El Exorcista y El Juego del Miedo 9 fueran lo mismo.

La mayoría de las veces respondo a esto con frases tipo “a mí lo que no me gustan son las películas malas” o “en general me gustan las buenas películas, sin importar de que genero sean”.

No me importa demasiado en qué frasco venga una película. Otras cosas son las que hace que me guste o no.

Ojo, tampoco creo que esté mal que a la gente le guste tal o cual género. Ese rechazo del que hablo es definitivamente un problema mío. Es lo más normal del mundo que a determinada gente le gusten algunos géneros y descarte otros.

Más allá de que yo conozca grandes películas que entran en cada uno de esos subgéneros, es completamente lógico que la gente elija.

Además, ahora que lo pienso, yo mismo actúo de esa manera si nos ponemos a hilar más fino, entrando en el terreno de los sub géneros y los “sub sub géneros”.

Por ejemplo, hablando de la ciencia ficción... definitivamente prefiero las películas de invasión alienígena, tipo La invasión de los usurpadores de cuerpos, o de encuentros extraterrestres como Encuentros Cercanos o E.T., antes que las películas de robots, cyborgs o androides (salvo que hablemos de uno de nombre Terminator). También me divierten más las de futuros apocalípticos que las de realidades virtuales. Ojo, si hablamos de mundos paralelos como el de Star Wars, compro casi sin dudarlo.

En el terror, también soy capaz de separar la paja del trigo: me gusta mucho más todo lo que es “criaturas de terror clásico” como Frankenstein o Drácula que cualquier cosa que tenga que ver con la posesión demoníaca. El terror psicológico de Polanski me angustia mucho más que esa cosa explícita y sádica de El Juego del Miedo. Los zombies me resultan divertidos, no así los fantasmas. Las películas slasher como me gustan más que las que se enfocan en el gore, etc.

El mundo del crimen también se puede categorizar. Me gustan las peliculas de detectives privados, pero sólo si hay una femme fatale. Si es Barbara Stanwyck, mejor. La mafia también es un terreno muy fértil para el cine, pueden preguntárselo a Coppola. Por otro lado, el espionaje me gusta solo en manos de maestros como Hitchcock (Intriga Internacional), pero no la onda James Bond. Para policías, me quedo con alguna buddy movie de dos policías bien diferentes, tipo Arma Mortal. Y ni hablar de las películas de robos como Fuego Contra Fuego o El Plan Perfecto. Y hay películas que se enfocan en lo que viene después de los robos: las persecuciones. Bullit y The Italian Job son grandes exponentes. Odio que atrapen a los malos y los lleven a juicio. Bueno, las películas de juicios me encantan. ¿Cómo olvidar 12 hombres en pugna, Testigo de Cargo o Cuestión de Honor? Igual, me quedo con lo que viene después del juicio: el castigo. Nada mas increíble que las películas de cárcel. En el Nombre del Padre, Papillón y la inolvidable Sueño de Libertad. Y si es una película de escape de una cárcel, muchísimo mejor!

La comedia es otro género que se puede dividir en decenas de subgéneros diferentes: tenemos comedias de acción como Showtime, comedias negras como La Muerte le sienta bien, comedias familiares, comedias de horror, parodias como La Pistola Desnuda. Un subgénero que me encanta son las sátiras políticas como In The Loop, Bulworth o El Ciudadano Bob Roberts. Me fascinan los mockumentaries o falsos documentales de Christopher Guest (Waiting for Guffman, Best in Show, A Mighty Wind). Las que no me gustan ni un poco son las comedias de rematrimonio, donde una pareja que perdió la chispa queda envuelta en unas aventuras que los hará revivir el amor. Otro subgénero muy exitoso son comedias “de ponerla”, donde un grupete de púberes se quiere iniciar sexualmente. Y ya que estamos, podemos hablar de las comedias de sexo, las screwball o comedias de enredos, tan de moda en los 40s. Y qué decir del slapstick o humor físico, las comedias escatológicas y tantas otras...

Y las comedias románticas tampoco son todas iguales, eh? En algún lugar leí una buena categorización. Están aquellas de los opuestos que se atraen, como Bridget Jones o la de la chica popular con el nerd. Un esquema que me encanta es el de “se enamoran pero no se conocen”, como en la genial Sleepless in Seattle o en su prima cercana You´ve Got Mail. Y qué tal aquellas en las que a un pibe estructurado se le cruza una chica bien libre que vive el presente, como en Mi Novia Polly o 500 días con Ella. Otra que dio origen a decenas de comedias románticas es la escritora Jane Austen. El rechazo del comienzo que da lugar al amor en su Orgullo y Prejuicio es una fija: hay decenas de adapaciones de esa novela, pero también encontramos esa lógica en Novia Fugitiva o 10 Cosas que odio de tí (que es en realidad una versión de La Fierecilla Domada). Otros argumentos bien clásicos son el de “conocer a tus suegros” de Adivina quien viene a cenar o La Familia de mi novia, o el de “chica periodista escribe un artículo” de La Cruda Verdad, Como perder un hombre en 10 días, Adicta a las compras y tantas otras.

El drama también está lleno de exponentes de todo tipo: desde películas de adicciones como The Lost Weekend o Cuando un hombre ama a una mujer, pasando por biografías de personajes que triunfan y luego caen en desgracia, para alcanzar finalmente una suerte de redención antes de morir. No importa si hablamos de Ray Charles, Johnny Cash o quien sea, esas biografías casi siempre responden a un esquema muy definido. También tenemos dramas de todas las épocas: la campiña inglesa, el holocausto, la época de la depresión. Siempre hay lugar para el drama. Hasta las comedias de reunión familiar se pueden convertir rápidamente al drama, si las situaciones llevan a un género y no al otro.

Hasta el mismísimo Western, que podría ser reducido a “un tipo con sombrero arriba de un caballo”, puede ofrecer variantes para todos los gustos: hay quienes prefieren los westerns clásicos de John Ford, mientras que otros se inclinan por los Spaguetti Westerns del estilo de Sergio Leone. Aparte de esa diferenciación, podemos encontrar biografías, westerns de frontera, westerns crepusculares, históricos, épicos, de forajidos, de tiradores, de arreos de ganados y muchos más.

En resumen, el cine ofrece esquemas o alternativas para todos los gustos.

¿Le gustan las comedias? Muy bien! Tengo para ofrecerle un surtido sin igual, de cualquier tipo o tamaño, para la cartera de la dama o el bolsillo del caballero...

Se imprime la leyenda! - RANGO

2011-03-17T02:09:00.000-03:00

No somos pocos los que creemos que el Western es el género por excelencia. Su iconografía, la carga de simbolísmo y tantas otras características lo convierten en el terreno más fértil posible para ilustrar un sinfín de historias y temas universales. La frontera entre lo bueno y lo malo, la llegada de la modernidad para dejar atrás el pasado, la noción de justicia, la búsqueda, la redención, la creación del mito y muchos etcéteras más.

De todas maneras, sorprende como en las últimas décadas este género ha sido tan abandonado. Estamos en una época en la que siempre es más fácil la referencia burda, la mera mención o cita, que una comprensión mayor de las posibilidades del género y la creación de obras que aprovechen su riqueza. Homenajeando, pero como corresponde. Así, son pocos los ejemplos de Westerns de las últimas décadas que han dado en el clavo. Después de Peckinpah, quizás sean Clint Eastwood y Kevin Costner los que mejor lo abordaron. Cada tanto hay remakes (El tren de las 3:10 a Yuma, o el gran ejercicio de género de los Coen con True Grit) y también podemos ver huellas claras del Western en películas como Kill Bill Vol 2 y Los Tres Entierros de Melquíades Estrada.

Más allá de las recetas, nada indica que una película de animación, absolutamente delirante, que transcurre en la actualidad y es protagonizada por un camaleón, no puede ser un impecable western.

Así llegamos a Rango, la primera gran sorpresa del año. Una película que, más allá de su humor absurdo, muestra un gran conocimiento y amor por el cine, logrando una narración impecable (algo muy difícil de lograr con sus constantes cambios de tono), con el camino del héroe bien marcado.

Las referencias son muchísimas y de todo tipo. Lo que prima es el Spaguetti Western de Leone con Eastwood, pero también tenemos Ford, Hawks, Peckinpah, La Hora Señalada. Hay películas de otros géneros también homenajeadas, como Apocalipsis Now y Pánico y Locura en Las Vegas. La trama remite a Chinatown. En cualquier caso, las referencias siempre son orgánicas y están perfectamente utilizadas.

Más allá de la perfección en cuanto a la animación, lo que llama la atención es lo impecable del diseño de las criaturas, pensado para caracterizar y llenar de vida a los personajes. Con diseños increíbles, pasión por el detalle y las voces de actores en serio, los topos, pájaros, víboras y tortugas se transforman en mineros, granjeros, pistoleros y ancianos.

Otra cosa que abruma por lo impecable es la fotografía. Cada plano nos enseña que el cine está lleno de posibilidades, de que hay miles de formas de ilustrar un acontecimiento. Y en Rango vemos que esa búsqueda puede lograr resultados increíbles. Todo se hace más claro cuando nos enteramos que el consultor en el tema es el director de fotografía Roger Deakins.

Me pongo en crítico de La Nación y sigo enumerando rubros. Ahora le toca a la música. Después de la pomposidad de El Origen, el amigo Hans Zimmer se rescata, y arma una banda de sonido inolvidable, acompañado de Los Lobos, con unas lechuzas mariachis que anticipan, cual coro griego, el destino de nuestro héroe.

En conclusión, se habrán dado cuenta de que Rango me gustó mucho. Y ni siquiera hice mención a que Johnny Depp le pone la voz al personaje principal, ni que aparece Hunter Thompson, ni que la escena del héroe cabizbajo cruzando la autopista me estremeció como pocas veces, ni que....

CISNE NEGRO: De esas películas que no ayudan

2011-03-14T01:39:00.009-03:00

Queridos lectores:

Imagino habrán notado nuestra ausencia durante estas últimas semanas... Creo que el estilo de nuestro blog demuestra claramente que, detrás de estas líneas cibernéticas, hay dos personas, dos amigos (y muchos más que también colaboran) que escriben con gran compromiso y pasión pero sin mayores formalidades. Es por este motivo que los problemas personales pueden afectar, como pasó en este caso, la continuidad de nuestros artículos.

Lo cierto es que hacemos esto porque nos gusta y nos hace bien, así que acá estamos, de vuelta.

Estoy segura que no soy la única a quien el cine le hace bien en general y que puede dar una mano al menos en el estado anímico, cada tanto.

No hace falta mirar necesariamente una comedia para sentirse bien y levantar el ánimo. Para nada... a veces un poco de buen cine, creativo, con una buena historia, con verdadera belleza nos da eso que necesitábamos para volver a estar mejor.

Cisne Negro NO es una de estas películas en mi opinión.

No tiene que ver con el hecho de ser un (ahora tan de moda) thriller psicológico, perturbante del estilo que nos tiene acostumbrado su Director Darren Aronofsky, sino simplemente con el hecho de que no es una excelente película como muchos esperábamos.

Este increíble despliegue de actores, puesta en escena, meses de preparación, coreografías, música, etc. no llegó a transmitirme ni la mitad de lo que me transmitió aquel luchador hecho bolsa en su malla de lycra apretada, que el mismo Director logró con muchísima menor ostentación.

A la hora de disfrutar de una película, poco me importa si la actriz principal estuvo 11 meses preparándose y aprendiendo ballet o si les llevó 4 o 40 semanas filmarla, si la música fue especialmente adaptada o si las plumas del traje de la bailarina fueron cosidas a mano una por una... poco me importa eso si la peli no me transmite nada.

Lamentablemente, Cisne Negro me hace pensar en dos opciones: o Aronofsky repitió sin corazón una fórmula que alguna vez le sirvió o quizás "se esforzó demasiado", resultando obvio. El cuento de la degradación y camino hacia la locura del personaje principal me hacen inclinar por la primera opción. Los recursos obvios para contar la historia me hacen pensar en la segunda.

Con respecto a ese último punto, podríamos decir que es difícil no caer en elementos obvios cuando la historia plantea el camino del personaje principal de una forma tan simple: la dualidad en una misma persona contada a través de una obra de ballet que habla de dos partes antagónicas del (otra vez) personaje principal. Una chica que es mostrada desde el comienzo como perfecta e impoluta que debe transitar el camino a su lado más oscuro y perverso.

De cualquier manera, podrían haberse usado elementos menos obvios que los colores rosa y negro, el espejo cortado y la exageradamente opuesta rival, entre otras cosas...

Vuelvo a decirlo, no necesito una comedia para sentirme bien viendo una película. El Luchador puede lograr mejorar un momento en mi vida gracias a la historia que cuenta, su forma de contarla y la pasión que tiene impresa. Y no sé ni me importa cuánto les costó hacerla. Elijo a Mickey Rourke en mal estado y con colágeno antes que a (y eso que es una de mis favoritas!) la físicamente preparada pero sobreactuada Natalie Portman. Elijo el drama con corazón antes que el drama con mambo psicológico sin real pasión.

¿Qué es "fiel"?: TOY STORY 3 en buena compañía

2011-02-21T00:48:00.008-03:00

Esperé mucho tiempo por este momento. Creo que, desde que mi hermana me dijo que estaba embarazada, soñé con el día en que compartiría una película con mi sobrino. Finalmente, llegó casi tres años más tarde... y qué mejor película para compartir que Toy Story 3!

Esta maravilla del cine permitió que los dos, tía y sobrino, pudiéramos disfrutar al mismo nivel, de la misma película. No me estoy refiriendo a que en la peli hubieran escenas con guiños para los adultos y gags físicos para los chicos, para nada. Ya hemos hablado en este mismo blog del uso que hacen las nuevas películas animadas de esas referencias apostando a que así conquistarán al público adulto. Toy Story no tiene nada de esto en ninguna de sus 3 películas, por suerte. A pesar de toda la magia y tecnología de Pixar, esta peli funciona sin trucos.

Como bien señaló Fito en otro artículo, Toy Story 3 tiene acierto en todos los elementos que en general componen una película, será por eso que logra emocionarme hasta las lágrimas, atraparme con la trama, maravillarme con los dibujos y a la vez, hacer que mi sobrino se enganche con algo de cada escena, mire asombrado el color y movimiento de los personajes y quiera repetirla al día siguiente. Esa combinación es perfecta y tiene como resultado que uno realmente pueda compartir una película con un chico, generando un momento hermoso para los dos.

Siempre fui demasiado exigente con el entorno a la hora de ver una película. Ya se escribió en el blog sobre las cosas que nos molestan en el cine. En general, odio que me hablen durante la película, que me pregunten cosas, que coman a mi alrededor, que se interrumpa la proyección... todo bah! Pero esta vez estaba feliz de contestar las 80 preguntas que hacía él en cada escena: ¿qué es un vaquero? ¿Cómo se llama el vaquero? ¿quién es el que no es un vaquero? ¿cómo se llama la nena? ¿qué es Bonnie? ¿a dónde se están escapando? ¿a dónde está Bonnie? ¿a dónde se fue el camión de la basura? Al basurero! (sí,sí, cada tanto se respondía a si mismo) ¿por qué llora la princesa (Barbie)? ¿quién bajó por el ascensor? ¿qué está hacieno el bebé? ¿quién se está hamacando? ¿por dónde corre el vaquero? ¿ese perro va a hablar?? ¿QUÉ ES FIEL??

Esta última me mato ¿Cómo se explica eso? La película deja bien en claro qué es la fidelidad... será cuestión de verla un par de veces más.